Trompe l'oeil과 마음을 속이는 이미지

17세기와 큐비즘부터 오늘날까지 트롱프뢰유 예술은 지속되고 있습니다. 어느 것이 어느 것입니까? (1890) 잘 알려지지 않은 미국 예술가 Jefferson Chalfant의, 색이 바랜 신문 스크랩 위에 두 개의 동일한 우표가 나란히 놓여 있습니다. 작품은 콜라주처럼 보이지만 우표 중 하나는 진품이고 다른 하나는 채색된 복제품입니다. 그리고 "Mr Chalfant가 자신의 그림 옆에 진짜 우표를 붙여넣었습니다"라고 쓰여 있는 오려낸 부분은 어떤 신문에도 실린 적이 없는 자기 참조적 허구입니다. 이 하나의 작은 작품은 "가짜 콜라주와 가짜 뉴스라는 두 가지 새로운 자만심을 제공했습니다"라고 큐레이터 Emily Braun은 뉴욕 메트로폴리탄 미술관에서 열린 획기적인 전시회인 Cubism과 Trompe l'Oeil Tradition 의 카탈로그 에세이에서 썼습니다. .쇼에서 Chalfant 옆에는 Juan Gris의 입체파 콜라주인 Still Life: The Table(1914)도 예술, 환상, 현실에 대한 교활한 농담으로 가득 차 있습니다. Le Journal 신문의 마스트헤드에서 발췌 한 부분이 접혀서 프랑스의 jouer 에서 Jou 가 연주하는 것처럼 보입니다. 그 아래에는 " Le vrai et le faux "라는 헤드라인 이 있습니다. Gris는 그가 설정하고 있는 괴롭히는 마음 게임에 대해 더 이상 간단할 수 없습니다.

새로운 Met Museum 전시회에서 이전 세기의 트롱프뢰유 예술가들의 그림이 20세기 입체파 작품과 함께 전시됩니다(제공: 메트로폴리탄 미술관)

이 두 작품은 파블로 피카소, 조르주 브라크, 그리스의 상징적인 큐비스트 트리오를 장난기 넘치는 트롱프뢰유(문자 그대로 "눈을 속이는 것"으로 번역됨)에 연결하여 지금까지 거의 완전히 간과된 연결을 만드는 전시회의 본질을 포착합니다. ) 재발견할 준비가 된 예술가들의 과거 그림. 이 쇼는 큐비즘에 대한 특정 초기 작품의 직접적인 영향을 가정하지 않지만 정물 수용에서 신뢰할 수 없는 텍스트 포함에 이르기까지 20세기 초 운동에서 그들의 메아리를 조사합니다. 그리고 이 모든 예술가들은 사실 자체가 논쟁 중인 우리 시대에 전시회를 완벽하게 만드는 문제인 진실과 거짓에 대한 질문에 관객을 끌어들이기 위해 그들의 시각적 트릭을 의도적으로 사용합니다.

트롱프뢰유(Trompe l'oeil)는 17세기 유럽에서 절정에 이르렀는데, 그림 속의 사물이 캔버스에서 보는 사람의 공간으로 앞으로 돌출되어 만질 수 있을 만큼 가까이 있는 것처럼 보일 정도로 사실적인 그림이었습니다. 일반적인 모티프에서 스트랩은 악보나 글자와 같은 다양한 물체를 디스플레이 보드에 물리적으로 고정하는 것처럼 보이지만 나무 프레임을 포함한 전체 이미지는 실제로 그려진 환영입니다. 물론 입체파 화가들은 정반대로 대상의 본질을 파악하기 위해 이미지를 부수었습니다. 그녀의 회고록 Life With Picasso에서 Francoise Gilot은 "우리는 trompe l'esprit를 찾기 위해 trompe l'oeil을 제거하려고 노력했습니다. 우리는 더 이상 눈을 속이고 싶지 않았습니다. 우리는 속이고 싶었습니다. 마음." 그러나 이번 전시의 주요 포인트는 현실과 예술 자체의 본질에 의문을 제기하는 마인드 게임이 가장 야심 찬 17세기 트롱프뢰유 회화에 이미 존재했다는 점이다. 브라운은 BBC 컬처에 "얼마나 리얼하게 보일지 몰라도 모방은 진짜가 아니다"라고 말했다. Trompe l'oeil은 "바로크 시대에 정교하고 철학적인 담론을 제공했고, 1890년대에 미국인들이 그것을 받아들였을 때 다시 한 번" 큐비스트들이 계승한 패턴을 제공했다고 말합니다.

마술처럼 트롱프뢰유의 시청자는 자신이 속고 있다는 것을 알고 농담에 동참합니다.

시각적인 속임수는 순간적일 수 있지만 종종 눈부신 경우가 많습니다. 전시회에서 가장 아름답고 우아하게 구성된 그림 두 점은 덴마크의 크리스티안 5세 왕의 궁정 화가인 Cornelius Norbertus Gjisbrechts의 작품으로 오늘날 거의 알려지지 않았습니다. 그의 Trompe l'Oeil with Violin, Music Book and Recorder(1672)에서 가죽 스트랩이 나무 판의 못에 매달려 있는 바이올린 아래 악보와 깃펜을 지탱하고 있는 것으로 보입니다. (캔버스에 모두 유채입니다.) Met 옆에는 피카소의 Violin Hanging on a Wall(1912)이 있는데, 비슷한 구성으로 나무 벽에 박혀 있지만 알아볼 수 있는 바이올린을 묘사하고 있습니다.

1912년 의자 캐닝이 있는 정물에서 피카소는 트롱프뢰유 효과를 만듭니다(Credit: Musée National Picasso-Paris / 2022 Estate of Pablo Picasso / ARS, New York)

전시회의 공동 큐레이터인 엘리자베스 카울링(Elizabeth Cowling)은 BBC 컬처에 입체파 화가들이 17세기 작품을 알았을 것이라는 확실한 증거는 없지만 그들이 그 장르를 알고 있었다는 확실한 시각적 단서가 있다고 말했습니다. Cowling은 Gijsbrechts와 Picasso 바이올린을 병치하는 것에 대해 다음과 같이 말합니다. 관계." 사실, 벽면 텍스트에는 "피카소는 이 구성을 고전적인 트롱프뢰유 판화에 기초했습니다."라고 명시되어 있습니다. 수세기 동안 장난기 넘치는 정신은 시각적인 것만큼이나 강한 연결 고리였습니다. Sebastian Stoskopff의 17세기 Trompe l'Oeil(Galatea)은 빨간색 실링 왁스로 보드에 부착된 판화로 가장한 그림입니다.

 

인지 갈등

마술처럼 트롱프뢰유의 시청자는 자신이 속고 있다는 것을 알고 농담에 동참합니다. 그리고 그러한 속임수에 대한 우리의 매력에는 고정된 무언가가 있을 수 있습니다. 런던 대학교 Goldsmith's 심리학과의 독자인 Gustav Kuhn은 인지와 환상, 특히 마법을 연구합니다. 아무도 정말 이유 를 몰라우리는 속는 것을 좋아하지만 그 매력은 "미지의 세계를 탐험하도록 격려하는 일종의 뿌리 깊은 인지 메커니즘"에서 비롯된다고 추측합니다. 유아에 대한 연구는 그 방향을 가리킨다. "인지 갈등은 마법의 본질입니다."라고 그는 말합니다. 물건을 숨기면 그 물건이 있던 빈 공간을 드러내세요. 하지만 2살 정도가 지나면 가정을 어기는 부분에 사로잡히게 된다"고 설명했다.

과거부터 현재까지 이번 전시의 관통선 중 하나는 사물이 반드시 시각적으로 보이는 것과 다를 수 있음을 인식하게 하는 것입니다 - 에밀리 브라운

마술이 종종 그렇듯이 17세기 트롱프뢰유는 엄청나게 인기가 있었지만 값싼 트릭으로 간주되어 감정가들에 의해 "낮은" 예술 형식으로 멸시되었습니다. Cowling은 "일종의 아웃사이더 예술"로서의 지위는 큐비스트들이 좋아했던 것일 뿐이며, 그들의 작업의 범법적 성격의 일부라고 말합니다. 파리 살롱의 예술가들과는 달리 그들은 제조된 벽지와 같은 일상적인 재료를 반항적으로 사용했고 카드 놀이나 값싼 와인병과 같은 평범한 물건을 언급했습니다. 집 화가 집안 출신인 브라크는 일찌감치 나무 모양을 시뮬레이션하는 법을 배웠는데, 이 기술은 과일 접시, 클럽 에이스(1913)를 비롯한 입체파 작품에 도입한 기술입니다. 카울링은 노동계급의 자료와 참고 자료를 사용하는 것은 "현실에 뿌리를 둔 당신 시대의 존재 필요성에 대한 일종의 주장"으로 볼 수 있다고 말합니다.

Edward Collier의 A Trompe l'Oeil of Newspapers, Letters and Writing Tools on a Wooden Board, 1699년경 (제공: 메트로폴리탄 미술관/ The Tate에서 대여)

사회와 정치의 현실은 이 쇼에서 예술과 결코 멀지 않습니다. Edward Collier의 1699 Trompe l'Oeil of Newspapers, Letters, and Writing Implements on a Wooden Board는 The London Gazette와 영광스러운 혁명에 대한 논평 팜플렛을 재현합니다. 그러나 Collier는 그들이 기반으로 하는 텍스트의 철자와 단어를 수정합니다. Braun은 "과거에서 현재까지의 이번 전시의 관통선 중 하나는 사물이 반드시 시각적으로 보이는 것과 다를 수 있다는 사실을 인식하게 하는 것입니다. 모든 뉴스가 뉴스인 것은 아니며 의견이기도 합니다." 불안정한 세계에 대한 대응은 이 시의적절한 전시의 예술가들과 오늘날 작업하는 예술가들 사이의 연결을 만듭니다. Braun은 NFT 가(대체 불가능한 토큰)은 진정성과 가치에 대한 질문을 가리키며 Cubists가 가지고 놀았던 문제입니다. 피카소는 때때로 자신의 이름을 작품에 스텐실로 새기거나 서명하는 대신 스텐실처럼 보이도록 그렸습니다. 그것이 예술의 가치를 떨어뜨리거나 진정성을 떨어뜨리나요? 

그리고 올해 초 런던의 Laure Genillard 갤러리에서 열린 전시회인 Subradar: The Deceptive Image In the Screen Environment에서는 스크린이 현실을 거의 추월하고 있는 오늘날 환영이 어떻게 사용되는지 고려했습니다. 쇼를 큐레이팅한 화가이자 조각가인 짐 치틀 은  "나는 트롱프뢰유의 옛 생각을 [참고]하고 싶지 않았기 때문에 일부러 제목에 트롱프뢰유를 넣지 않았다"고 말했다. 즉, 간단한 시각적 트릭으로. 치틀에 따르면 착시는 포스트모더니즘 이후 훨씬 더 복잡하고 은유적이다. Andrew Grassie의 미술 창고 그림인 Flat Packed Art Fair는 사진으로 찍을 수 있습니다. 사실 포토리얼리즘 회화 는치틀은 우리가 컴퓨터 화면에서 그 그림의 이미지를 볼 때 현실과 거리를 두는 추가 레이어가 있다고 지적합니다.

2021년 짐 치틀의 페인트칠한 캐스트는 오늘날 화면이 지배하는 세상에서 환상이 어떻게 사용되는지를 고려한 최근 전시회에 전시되었습니다(Credit: Jim Cheatle/ @jimcheatle)

페인트로 가득 찬 봉투의 Cheatle 자신의 페인트 캐스트는 당신이 빌려준 페인트의 나머지 부분을 동봉하십시오 : 그림의 부조리에 대한 친밀한 메모라고합니다. 그는 조각품이 은유적으로 등록되어 보는 사람이 자신의 작품에 참여하고 그림 자체의 의미를 고려하도록 격려한다고 말합니다. Cheatle은 "당신은 지금 우리가 살고 있는 세상을 본질적으로 큐비스트로서 볼 수 있습니다. 우리를 평평한 경험적 현실로 되돌리는 대신 그것을 대체하려고 시도하는 것을 제외하고는 한 번에 우리에게 주어진 상반되는 관점과 관점으로 파편화되어 있습니다."

피카소가 마음을 속이는 것에 대해 이야기했을 때 Gilot은 계속해서 입체파 화가들이 일반적인 의미에서 물체를 옮겨서 시청자를 놀라게 하고 싶어했다고 말했습니다. 신문이 병이 됩니다. "이 이상함은 우리가 사람들이 생각하게 만들고 싶었던 것입니다. 왜냐하면 우리는 우리의 세계가 매우 이상해지고 있고 정확히 안심할 수 없다는 것을 잘 알고 있었기 때문입니다." 그는 제1차 세계대전이 다가오면서 큐비즘이 시작된 시기에 대해 말했습니다. 사실에 의문을 제기하는 2022년 세계는 그 자체로 기묘함을 가지고 있으며, Met 쇼가 우리에게 고려하도록 초대하는 연결입니다.