우리가 여전히 독창적인 반 미니멀리스트 윌리엄 모리스를 사랑하는 이유

19세기의 맥시멀리스트이자 활동가는 여전히 오늘날의 예술가와 인테리어 디자이너에게 영감을 주고 있습니다.  윌리엄 모리스는 의심할 여지 없이 19세기의 가장 독창적이고 급진적인 창조력 중 하나였습니다. 그가 세상을 떠난 지 125년이 되는 2021년, 그의 디자인은 가끔 현대적인 화장으로 인해 그 어느 때보다 인기가 있으며, 그의 전설적인 다재다능함과 행동주의는 계속해서 새로운 세대의 예술가와 디자이너에게 영감을 줍니다. 그의 삶과 작품은 템즈(Thames)와 허드슨(Hudson) 의 호화로운 새 책 에서 기념되며 , 그의 지속적인 영향력은 빅토리아 앨버트 박물관(Victoria and Albert Museum)이 오랫동안 모리스의 디자인에서 영감을 받아온 미국 예술가 케힌드 와일리(Kehinde Wiley)의 멜리사 톰슨의 초상(Portrait of Melissa Thompson)을 인수한 것으로 입증됩니다. 원래 Morris & Co는 1930년대에 접었지만 Sanderson 그룹은 아카이브를 인수했으며 그 이후로 디자인을 계속 인쇄해 왔습니다. Sanderson Design Group의 크리에이티브 디렉터인 Claire Vallis는 지속적인 인기를 설명하기 위해 여러 가지 이유를 언급합니다. "그들에 대한 향수가 있습니다. 사람들은 어린 시절부터 기억합니다. 그리고 그의 디자인에는 스토리텔링이 있어 사람들이 정말 그들과 연결된다고 생각합니다. Strawberry Thief와 같은 디자인은 Morris가 창 밖을 내다보고 아구창이 따는 것을 보고 영감을 받았습니다. 그는 매우 재미있고 이야기를 만들어 낸 딸기를 발견했습니다." 복잡한 디테일로 가득 찬 생생한 패턴을 지닌 Morris의 미학은 또한 인테리어 디자인에서 최대주의, 절충주의 및 향수에 대한 현재의 사랑에 완벽하게 맞습니다.

Morris의 디자인에는 낭만과 향수가 있습니다(Credit: Morris & Co의 Queens Square 컬렉션)

Strawberry Thief는 Lodden의 다산 꽃과 함께 Morris와 오랫동안 연관되어 온 상점인 London's Liberty에서 가장 좋아하는 두 가지 디자인입니다. Liberty 패브릭 및 제품의 디자인 디렉터인 Mary-Ann Dunkley는 BBC Culture에 "디자인에 대한 관심이 최고조에 달하는 순간이 분명히 있지만 Liberty 고객에 대한 Morris에 대한 사랑과 친밀감은 항상 있습니다."라고 말했습니다. 원래의 디자인과 색상은 계속해서 인기가 있지만 Morris & Co와 Liberty는 모두 다른 색상 조합을 실험했습니다. "우리는 종종 계절과 트렌드에 따라 디자인을 다시 칠하고 규모를 조정합니다. 헤리티지 Morris 패턴을 톤 방식으로 다시 칠하면 현대적인 매력이 있으며 단색 필드와 정말 잘 어울립니다. 예를 들어 일반 직물 및 페인트 벽,

Vallis는 Morris and Co의 Pure Morris 제품군은 "설계 아키텍처를 탐구하여 실제로 이를 축소했습니다"라고 말합니다. "우리는 멋진 린넨 소재를 사용한 다음 그의 디자인의 윤곽을 만들기 위해 자수 스티치 효과를 사용했습니다. 이러한 단순함을 가지고 있기 때문에 일본과 스칸디나비아에서 엄청나게 인기가 있습니다."

Willow Bows 및 Marigold와 같은 상징적인 디자인은 빨간색, 청록색 및 녹색의 대담한 음영으로 재탄생되었습니다.

스펙트럼의 다른 쪽 끝에는 인테리어 디자이너 Ben Pentreath가 만든 생생한 색상이 있습니다. "그는 항상 Morris를 사랑했고 거의 모든 계획에서 그를 사용했지만 그가 아카이브에 왔을 때 그는 어린 시절부터 기억했던 모든 색상이 포함된 1970년대 패턴 책이 우리에게 여전히 있다는 것을 믿을 수 없었습니다. 바로 그는 그것을 재현하고 싶었습니다."라고 Vallis는 말합니다. Willow Bows 및 Marigold와 같은 상징적인 디자인은 빨간색, 청록색 및 녹색의 대담한 색조로 재탄생되었으며 Pentreath는 직물과 월페이퍼를 결합하여 놀라운 효과를 나타냅니다. Vallis는 "그는 다양한 패턴을 만드는 데 매우 능숙하며 모두 함께 잘 작동합니다. Pentreath의 열정과 아카이브에서 사용할 수 있는 광범위한 소스 자료가 결합되어

인테리어 디자이너 Ben Pentreath는 Queen Square 컬렉션(Morris & Co의 Queens Square 컬렉션)을 위해 대담한 새로운 색조로 클래식 Morris 프린트를 재구성합니다.

Vallis는 최근 패턴에 대한 진정한 복귀가 있었고 Morris의 디자인의 영원한 매력은 의심할 여지 없이 실험을 원하는 소비자에게 매력을 더한다고 말합니다. "Morris는 그런 확신을 가지고 있습니다. 패턴에 담그면 수명이 길고 유행에서 벗어나지 않을 것입니다." 그들의 다재다능함도 한 요인입니다. "현대적인 인테리어에서 전통적인 인테리어로, 도시에서 시골로 너무 잘 어울립니다."라고 Dunkley는 말합니다.

이것은 확실히 인테리어 디자이너 Rachel Chudley에 대한 매력의 일부입니다. "저는 Morris 디자인을 가능성이 없는 영역에 사용하여 삶에 대한 새로운 관점과 임대를 제공하는 것을 좋아합니다. 매우 다른 시대의 훌륭한 디자인을 나란히 놓고 그들이 서로에게 하는 일을 보는 것은 큰 기쁨입니다."라고 그녀는 말합니다. 이메일을 통해 BBC 문화. 그녀의 프로젝트 중 하나에서 그녀는 "저는 지하 1층 주방에 비밀 정원의 느낌을 주기 위해 깊고 풍부한 Morris 숲 장면을 선택했습니다"라고 말합니다. 

Chudley는 자연에 대한 Morris의 존중과 산업화에 대한 반대도 그의 매력에 영향을 준다고 믿습니다. "우리는 공예품에 대한 엄청난 사랑과 고객과 함께 세심하게 디자인된 수제 품질을 보고 있습니다. 나는 이것의 큰 부분이 디지털 표면 세계에 대한 반응이라고 생각합니다. 낭만주의가 압도적인 산업화에서 물러난 것처럼, 사람들은 이제 소셜 미디어에 의해 질식되는 것처럼 보이는 감각적 실생활 경험."

 

예술가의 길

Morris의 작품이 다양하다는 것은 순수 미학적인 것에서 사회적, 정치적인 것에 이르기까지 현대 예술가들이 그릴 수 있는 여러 가닥이 있음을 의미합니다. Kehinde Wiley는 15년 넘게 Morris의 디자인을 초상화의 배경으로 사용해 왔습니다. V&A가 인수한 그의 Yellow Wallpaper 시리즈일부는 Charlotte Perkins Gilman의 1892년 동명의 페미니스트 텍스트에서 영감을 얻었습니다. 이 텍스트는 히스테리 진단을 받은 후 침실에 갇힌 여성의 이야기를 통해 여성의 독립을 거부하는 결과를 강조했습니다. Wiley는 "검은색, 성별, 아름답고 끔찍한 과거를 조화시키기 위해 장식적인 언어를 사용하고 싶었다"고 말했습니다. 모리스에 대한 Wiley의 관심은 처음에는 순전히 미학적이었지만, 2020년에 시리즈가 처음 전시된 William Morris Gallery를 통해 예기치 않은 역사적 연관성을 발견했습니다. Perkins Gilman은 "Morris를 알고 그녀는 그의 딸 May와 통신했습니다"라고 큐레이터 Rowan Bain이 설명합니다.

미국 예술가 Kehinde Wiley의 Melissa Thompson 초상화(2020)가 Morris 디자인을 해석합니다(Credit: 아티스트 및 Stephen Friedman 갤러리 제공/Todd-White Art Photography)

윌리엄 모리스 갤러리 ( William Morris Gallery) 는 모리스에서 영감을 받은 예술가들의 전시회를 자주 개최하며 예술가 상주 계획도 운영합니다. "사람들에게 Morris가 만든 것처럼 보이는 것을 만들라고 요구하는 것이 아닙니다. 그는 생각과 아이디어가 매우 풍부하기 때문에 현대 예술가들이 더 많은 것을 탐구하기 위해 그를 촉매제로 사용할 수 있는 방법을 보는 것이 매우 중요합니다."라고 Bain은 설명합니다. 프로젝트가 새로운 청중을 불러들인다면 갤러리는 특히 열광적입니다. 인쇄 디자이너 Nia Thandapani와 일러스트레이터 Priya Sundram으로 구성된 Studio Carrom 은 남아시아와 Morris의 관계를 탐구하기로 결정했습니다.

"종종 Morris가 남아시아 패턴과 면화의 영향을 받았다는 것은 각주나 옆에 있습니다."라고 Bain은 설명합니다. 두 사람은 레지던시와 이후의 전시를 갤러리 주변에 사는 남아시아 커뮤니티와 협력하고 거의 방문하지 않는 공간으로 데려가는 기회로 삼았습니다. 베인은 "모리스는 19세기에 살았던 부유한 백인 남성이었고 그를 그런 맥락에서 제외시킬 수는 없습니다. 그래서 갤러리에 오는 사람들이 현대적인 반응을 통해 자신을 볼 수 있다는 것이 우리에게 정말 중요합니다."라고 말합니다.

그의 관련성은 다른 어떤 빅토리아 시대의 시각 예술가보다 훨씬 더 많습니다 – Jeremy Deller

갤러리는 항상 새롭고 예상치 못한 방식으로 모리스를 탐험하려고 합니다. "우리가 정말로 관심이 있지만 아직 찾지 못한 것은 디지털 프로세스를 살펴볼 사람입니다. 디지털 방식으로 디지털 패턴 만들기 또는 Morris의 작업을 탐색할 가능성이 많습니다."라고 Bain은 말합니다. 아마도 후보자가 부족한 것은 Morris와 기술에 대한 오해 때문일 것입니다. "그가 모든 기계 공정에 반대한다고 말하는 것은 완전히 사실이 아닙니다. 그는 품질과 제작자에게 이익이 될 수 있을 때 그것에 관심을 보였습니다. 예를 들어, 그의 태피스트리를 위해 그는 자신의 디자인 사진을 찍은 다음 매우 크게 부풀렸습니다. 그래서 그의 작업자들은 인쇄물에서 작업할 수 있습니다."라고 Bain은 말합니다. "그가 지금 어떤 모습일지 생각해보는 것도 재미있을 것입니다. 그가 David Hockney처럼 아이패드를 수용할 수 있을까요?" 그녀는 생각한다.

자연에 대한 사랑은 Morris의 미학과 그의 세계관에 필수적이었습니다(Credit: Alamy)

Turner 상을 수상한 아티스트 Jeremy Deller는 Morris가 오늘날 살아 있다면 무엇을 하고 있을지 묻는 질문에 "그는 윤리적인 기술 회사와 아마도 정당을 동시에 운영했을 것입니다."라고 말합니다. "그는 기술, 프로세스, 디자인에 관심이 많았습니다. 그는 예술가가 할 수 있는 거의 모든 것을 했습니다. 그들의 경력이 우리가 멀티미디어라고 부를 정도로 광범위하기 때문에 그들에 대한 관심이 증폭됩니다. 원하는 것을 가져갈 수 있습니다. 그의 경력이 매우 거대하기 때문에 그와 같은 사람들로부터 그와 같은 사람들은 매우 풍부하고 비옥한 땅입니다."

Deller는 Morris의 작업을 다양한 방식으로 활용했습니다. 2014년에 그는 자신과 Andy Warhol의 경력을 비교하는 쇼를 기획했습니다. 두 아티스트는 서로 다른 세계처럼 보이지만 Deller는 두 아티스트를 "당시의 아티스트이자 동시에 미래의 아티스트"로 보고 있습니다. 둘 다 세상을 변화시키는 아티스트로서 영향력이 더욱 커집니다."라고 Deller는 말합니다.

그는 또한 로만 아브라모비치의 요트를 베니스 석호에 던진 Morris의 벽화를 기억에 남게 만들었습니다. 델러는 "그는 사상뿐만 아니라 능력과 행동주의 측면에서도 거대한 역사를 지닌 거대한 행동주의자였다"고 말했다. "그는 베니스를 사랑했기 때문에 이 요트의 디자인에 관심이 있었을지라도 이 요트로 인해 파괴되는 방식을 싫어했을 것입니다."

영국 예술가 Jeremy Deller의 2014년 벽화는 William Morris를 베니스 석호에 슈퍼요트를 던지는 '운동가 거인, 역사의 거인'으로 묘사합니다(제공: Alamy)

"그의 정치적 신념, 자연에 대한 사랑, 자연이 어떻게 학대를 당하고 엘리트들이 삶을 파괴하고 있는지에 대한 혐오감, 그의 정치적 신념은 현재 매우 관련이 있습니다. 그의 관련성은 다른 어떤 빅토리아 시대의 시각 예술가보다 훨씬 더 많습니다."라고 Deller는 말합니다.

Morris의 영향력은 그가 죽은 지 125년이 지난 후에도 줄어들 기미가 보이지 않으며 순수하게 미학적인 차원에서 아직 더 많은 것을 발견할 수 있습니다. Vallis는 "우리는 항상 새로운 디자인을 꺼내려고 노력하고 있으며 아카이브에 아직 탐색하지 않은 디자인이 있으므로 계속해서 새로운 디자인을 출시하고 있습니다."라고 말합니다. Deller의 거대한 역사는 21세기에도 걸을 수 있을 것 같습니다.