예술의 가장 강력한 '잠금' 이미지

예술가의 창에서 보기(View from the Artist's Window, 1978)에서 미국 화가 앨리스 닐(Alice Neel)은 뉴요커(및 다른 도시 거주자)에게 친숙한 이미지, 즉 자신의 맞은편에 있는 아파트 건물의 이미지를 포착했습니다. 현재 메트로폴리탄 미술관에서 회고전 의 주제로 활동 하고 있는 Neel에게 이러한 뉴욕시의 삶의 장면이 그녀의 예술을 이끌었습니다. 그녀는 자신의 집이자 작업실이었던 공간에 대해 "107번가에서 브로드웨이를 바라보는 앞 방 창문 밖에 살고 있습니다. 거실에 거리가 있는 것과 같습니다."라고 말했습니다. 이 댓글과 이 그림을 통해 Neel은 오랫동안 예술가들을 사로잡았던 주제인 창을 통해 외부 세계를 바라보는 관점을 강조했습니다. 창문의 형식적 속성과 내부와 외부를 매개하는 역할은 모두 이 일상적인 건축 요소를 예술에서 압도적인 힘을 부여했습니다. 때로는 컴포지션에 창과 빛이 포함될 수 있지만 보기는 포함되지 않을 수 있습니다. 요하네스 베르메르의 <열린 창문에서 편지를 읽는 소녀(c 1657-59)>가 그러한 경우인데, 이 작품은 복원 작업을 거쳐 올해 말 드레스덴에서 열리는 전시회의 핵심입니다 . 창은 또한 외부에서 내부를 바라보며 다양한 매체로 표현되었습니다. 비교적 최근의 예에는 할렘의 아파트 건물을 묘사한 Faith Ringgold의 직물 및 페인트 Street Story Quilt (1985)와 Andreas Gursky의 대규모 사진 Avenue of the Americas가 있습니다. (2001).

예술가의 창에서 보기(1978)에서 앨리스 닐은 도시 거주자들에게 친숙한 이미지를 포착했습니다(제공: Alice Neel의 저작물).

지난 1년 동안 창문과 그 전망은 우리 중 많은 사람들이 더 많은 시간을 고려할 때 우리 집의 특징이었습니다. 이 기간 동안 다른 전망을 보고자 하는 열망은 심지어 세계의 다른 지역에 있는 다른 사람의 창을 통해 볼 수 있도록 가상으로 이동하는 웹사이트인 WindowSwap 과 같은 프로젝트로 이어졌습니다 . 그래서 예술에서 창문을 표현하는 방법은 여러 가지가 있지만 재개방의 정신으로 창밖을 내다보는 것이 특징인 미술사에서 가장 유명한 그림 몇 점을 소개 합니다.

 

세계의 창

그림이 창과 같다는 생각은 서양 미술에 혁명을 일으켰습니다. 이탈리아 예술가/건축가인 Filippo Brunelleschi는 르네상스 초기에 이러한 연결을 최초로 만든 것으로 알려져 있으며, 나중에 Leon Battista Alberti가 1435년 그의 중요한 논문 De Pictura 에서 성문화했습니다.(그림에). Alberti는 다음과 같이 씁니다. "먼저 내가 그리는 위치에 대해. 나는 원하는 만큼 큰 직각의 사각형을 새깁니다. 이 사각형은 내가 그리고 싶은 것을 볼 수 있는 열린 창으로 간주됩니다." 여기에서 브루넬레스키의 수학적 선형 원근법(화면에 직각인 평행선이 결국 소실점으로 수렴되는 것처럼 보이는)은 깊이의 환상을 제공합니다. 이 (숨겨진) 직교선을 따라 묘사된 사람과 물체는 마치 우리가 창의 경계 공간을 통해 실제로 보고 있는 것처럼 멀어질수록 작아집니다.

낭만주의는 내부 세계와 외부 세계 사이의 문턱에 서 있는 경험에 대한 강력한 상징을 발견했습니다 - Sabine Rewald

이후 5세기 동안 서양 미술은 그림이 세상을 보는 창과 같은 기능을 한다는 개념을 고수했습니다. 그림의 프레임은 창틀을 복제합니다. 평면 평면은 실제 장면의 환상이 됩니다. 그리고 구성된 현실에 창문을 표현한 작품은 이러한 환상을 더욱 확장할 수 있습니다. 얀 반 에이크의 롤린 수상 의 마돈나에서(c 1433-34) 예를 들어, 공간에 대한 예술가의 능숙한 표현은 Rolin의 관객이 Virgin and Child와 함께 실제로 일어났을 수 있음을 관객을 설득하는 데 도움이 됩니다. 방과 인물은 실제처럼 보입니다. 이 사실주의는 아치형 창문을 통한 전망에 의해 더욱 촉진되며, 이는 인접한 정원과 멀리까지 뻗어 있고 정교하게 세부적인 풍경을 드러냅니다. 상징적 의미(그리고 그림에 기독교 상징주의가 가득함)를 제외하고, 삼중 조리개는 빛과 공기가 방을 채울 수 있도록 합니다. 그것은 또한 발코니에 있는 두 명의 관찰자의 도움을 받아 목가적인 환경으로 관객의 시선을 끌어들입니다.

Van Eyck의 Madonna of Chancellor Rolin에서 창과 평면 평면은 실제 장면의 환상을 만듭니다(Credit: Getty Images)

창은 근세 전반에 걸쳐 회화에 등장하지만, 보다 자립적인 역할과 새로운 의미를 갖게 된 것은 19세기 초였다. Sabine Rewald 가 The Met에서 열린 2011년 전시회와 함께 출판된 카탈로그 룸 with a View: The Open Window in the 19th Century 에서 "The Romantics는 열린 창문을 모티브로 하여, 내부 세계와 외부 세계 사이의 문턱". 카스파 다비드 프리드리히(Caspar David Friedrich, 1774-1840)는 독일에서 가장 유명한 낭만주의 화가이자 모티프의 시적 잠재력을 최초로 활용한 화가입니다. 이러한 암시의 힘은 그의 1822년 창가 의 여인에 구현되어 있습니다.

이 그림은 열린 여닫이 창 밖으로 강을 바라보는 모습을 묘사하고 있으며, 짧은 파란색 스트립을 제외하고는 두 척의 보트의 돛대와 장비로 표시됩니다. 미술사가들은 그 방을 드레스덴의 엘베 강에 있는 프리드리히의 홈 스튜디오로, 모델을 그의 아내 캐롤라인으로 식별했습니다. 등을 대고 앉아 있는 여성의 작은 모습과 드레스의 부드러움과 광택은 건축물의 극명한 광활함을 강조하며, 실내의 어두운 색조가 자연 경관의 빛과 활력과 균형을 이루는 것처럼. 이 경우에도 여닫이 창의 겸손한 개구부를 통해 보이는 밝은 녹색 잎의 작은 스트립과 포플러 나무의 행은 위의 큰 유리창을 통해 보이는 넓은 푸른 하늘과 대조됩니다.

카스파 다비드 프리드리히의 창가의 여인(1822)은 열린 창 모티브의 상징적 가능성을 최초로 실현한 작품이다(Credit: Getty Images)

이러한 대조적인 회화적 대비는 등을 돌리고 있는 인물의 불가사의한 이미지와 결합되어 이 작품이 종교적 통과를 함축하는 것에서부터 구속과 그리움을 표현하는 것에 이르기까지 다양한 해석을 이끌어 냈다는 것을 의미합니다. 확실히 다른 장소나 시간에 대한 불쾌하지 않은 그리움은 개인의 표현과 주관적인 감정에 대한 믿음과 마찬가지로 낭만주의의 특징이었습니다. 프리드리히 작업의 숙달은 이 모든 판독을 허용한다는 것입니다. 아마도 우리 시대와 가장 관련이 있는 것은 창문을 통해 바깥 세상을 바라보는 여성의 표현에서 생각에 잠긴 고요함의 이미지가 심오한 가능성의 감각을 불러일으키는 것입니다.

 

현대 생활의 화가

이러한 가능성의 느낌은 Gustave Caillebotte의 Man on on Balcony, Boulevard Haussmann에서 훨씬 더 심각합니다. 1880년에 그려진 이 그림은 파리에 있는 화가의 아파트에서 바라보는 풍경으로, 현대 생활의 장면을 묘사하려는 인상파 화가들의 충동을 잘 보여줍니다. Man on on Balcony는 Baron Haussmann의 구시가지 재건에 이어 새롭고 현대적인 대도시를 기록합니다.나폴레옹 3세의 요청으로 Haussmann 스타일의 특징은 도시 계획가의 이름을 따서 명명된 대로를 따라 늘어선 맨사드 지붕과 발코니가 있는 위풍당당한 크림색 아파트 건물입니다. 장면의 놀라운 생동감은 부분적으로 이 웅장한 정면과 나무의 반짝이는 녹지의 대조에 의해 달성됩니다. 그리고 거리에는 사람이 보이지 않지만, 아름다운 봄날의 도시 생활의 스릴을 포착한 작품입니다. 버지니아 울프의 댈러웨이 부인(1925) 오프닝의 일부를 그림 형식으로 회상합니다.

"그리고 나서 Clarissa Dalloway는 해변의 어린이들에게 보내는 것처럼 신선한 아침이라고 생각했습니다.

종달새! 얼마나 급락! 지금 그녀가 들을 수 있는 경첩이 약간 삐걱거리는 소리와 함께 프렌치 창문을 깨고 버튼을 노천으로 뛰어들었을 때 그녀는 항상 그렇게 생각했습니다."

그러나 Caillebotte의 작업은 우리를 댈러웨이 부인의 런던이나 버튼에 있는 그녀의 가족의 시골집으로 데려다 주지 않습니다. 대신 우리를 인상파 화가들의 파리로 데려갑니다. 도시에 대한 우리의 대화 상대 는 현대 생활의 화가(1863)에서 샤를 보들레르(Charles Baudelaire)가 묘사한 바와 같이 도시 구경꾼, 플라뇌르 입니다. 이 고독한 관중은 군중의 북적거림을 즐기지만 여전히 떨어져 있습니다. Caillebotte의 그림을 보는 사람도 마찬가지입니다. 열린 창은 발코니가 거주자와 더 넓고 현대적인 세계를 하나로 묶는 것처럼 이러한 사적 공간과 공적 공간 사이의 중재자입니다.

Gustave Caillebotte의 Man on on Balcony(1880)는 봄날 도시 생활의 스릴을 묘사합니다(Credit: Getty Images)

일상 생활을 표현하는 것에 대한 인상파들의 관심과 빛의 덧없는 효과와 함께 회화의 형식적 특성에 대한 새로운 초점이 생겼습니다. 예를 들어, Man on on Balcony에서 물러가는 나무에 의해 생성된 깊이의 환상은 남자의 등과 창문 사이의 녹색 통로에서 용해됩니다. 다음 세대의 유럽 전위 예술가들에게 색상, 붓놀림 및 구성 패턴의 표현 효과는 자연주의적 표현보다 훨씬 더 우선시되었습니다. 빈센트 반 고흐의 정육점 전경 (1888), 앙리 마티스의 열린 창 콜리우르 와 같은 표현주의 작품에서 알 수 있듯이 이러한 미학적 조사를 통해 창 모티브는 그 힘을 유지했습니다.(1905). 현대 미술의 중추적인 그림인 후자는 열린 창을 통해 보이는 풍경을 살아있는 장면의 환상적 표현에서 캔버스에 페인트의 시각적 즐거움에 대한 풍부한 선언으로 변형시킵니다.

박물관에서 가장 좋은 것은 창문이다 - 피에르 보나르

Open Window, Collioure는 Matisse의 창 보기에 대한 초기 버전 중 하나였지만 그의 경력 전반에 걸쳐 다시 주제로 삼았습니다. Shirley Neilsen Blum은 2010년 책 Henri Matisse: Rooms with a View 에서 썼습니다 . 에서 "창문은 현대적인 규범에서 Matisse의 위치에 고정되어 있습니다"라고 . 그의 좋은 친구이자 동료 컬러리스트인 Pierre Bonnard도 마찬가지 였습니다. 그는 루브르 박물관을 방문했을 때 "박물관에서 가장 좋은 것은 창문"이라고 말했습니다. Matisse와 마찬가지로 Bonnard는 창의 형식적이고 연상적인 가능성에 끌렸고 주제를 여러 번 그렸습니다. 그리고 보나르의 작품은 마티스와 마찬가지로 지중해 연안의 빛에 큰 영향을 받았습니다.

1926년 Bonnard와 그의 아내 Marthe de Méligny는 프랑스 남부의 Le Cannet에 Le Bosquet(그로브)라고 불리는 작은 집을 샀습니다. 칸(Cannes) 위의 목가적인 자연 경관에 위치한 이 호텔의 한적한 분위기는 Bonnard의 집중적인 업무 관행과 de Méligny의 은둔적인 성격에 적합했습니다. 부부는 Le Bosquet를 정원으로 열어 두 층에 프렌치 창문과 위층 발코니를 설치했으며 Bonnard는 집 안에서 밖을 내다보는 수많은 장면을 그렸습니다(일반적으로 실생활에서 일하지는 않았지만). 미모사가 있는 스튜디오그의 작업실 창문을 통해 보이는 풍경을 묘사하는 (1939-46)은 작가의 화려한 색채의 놀라운 예입니다. 사실, 노란색 미모사 꽃의 영광스러운 섬광이 너무 산만하여 왼쪽 하단 모서리에 있는 그림을 간과하기 쉽습니다.

피에르 보나르(Pierre Bonnard)의 미모사가 있는 스튜디오(The Studio with Mimosa)에서 창문은 살아 있는 것과 과거의 영혼 사이의 문턱을 표시합니다(제공: Getty Images)

이러한 유령 같은 존재는 Bonnard의 작곡에서 드문 일이 아니지만 여기서 그림이 의미를 더했을 수 있습니다. Bonnard는 2차 세계 대전 내내 그림 작업을 했으며 1942년 de Méligny가 사망했습니다. 창문이 내부와 외부 사이의 문턱인 것처럼 The Studio에서는 과거의 영혼이 자연의 빛나는 색상과 함께 생활하는 경계 공간을 표시합니다. 이러한 상징주의는 캐나다 예술가 Zachari Logan(b 1980)의 작업에서 볼 수 있듯이 창의 현대 이미지를 계속해서 알려줍니다. 브롱크스의 웨이브 힐 가든에서 열린 전시회의 일부인 분필 파스텔 드로잉 Window No 1, Wave Hill(2019)에서, 창을 통한 보기는 창을 둘러싸고 있는 담쟁이에 의해 부분적으로 가려집니다. 보나르의 창-풍경 구성처럼 드로잉은 시간의 흐름을 묵상한다. Logan이 말했듯이 "궁극적으로... memento mori"입니다.

 

미국의 관점

Matisse와 Bonnard가 탐구한 물감의 표현 가능성은 추상 표현주의자들에 의해 더욱 발전되었습니다. 그러나 잭슨 폴록과 같은 예술가들에게 그림은 더 이상 세상을 보는 창과 같은 르네상스 아이디어와 일치하지 않습니다. 대신 그림의 물리적 행위에 초점을 맞췄습니다. 그래서 현대 미술의 많은 부분에서 창문을 포함한 실제 사물의 표현이 사라지기 시작했습니다. 그러나 뉴욕을 중심으로 한 추상표현주의와 함께 에드워드 호퍼(1882-1967)를 비롯한 많은 미국 사실주의 화가들이 있었다. 그리고 그림의 창에 대한 설명은 Hopper에 대해 논의하지 않고는 불완전합니다. 그의 작품에는 창문이 만연해 있다. 그는 건축에 매료되어 건물과 그 구멍의 열을 자립적인 주제로 묘사했습니다. 그는 또한 클로즈업된 창문 전망을 그렸습니다. 외부에서 보는 내부와 외부에서 보는 내부. 이전 카테고리 중,Nighthawks (1942)가 아마도 가장 유명한 예일 것입니다. 후자 중 1952년의 Morning Sun 은 빛과 도시, 특히 뉴욕에 대한 작가의 사랑을 잘 보여줍니다.

Windows는 Hopper의 작품에 널리 퍼져 있습니다. 그의 Morning Sun(1952)은 빛과 도시에 대한 그의 사랑을 보여줍니다(Credit: Heirs of Josephine Hopper/ Licensed by ARS NY/DACS, London 2021)

젊었을 때 호퍼는 파리로 여러 차례 여행을 갔고 그의 그림은 인상파 화가들의 햇살 가득한 도시와 고립된 도시 구경꾼을 20세기 중반 맨해튼으로 옮겨 놓았습니다. Morning Sun에서 분홍색 슬립 옷을 입은 한 여성이 침대에 명상적으로 앉아 있고 창문을 통해 들어오는 이른 빛에 몸을 담그고 있습니다. 유비쿼터스 옥상 급수탑을 포함하여 줄지어 있는 아파트 건물의 축소된 전망은 시청자를 뉴욕시의 유명한 랜드마크 사진만큼 많이 데려갑니다. 고요한 고요함 속에서 이 그림은 암시적인 힘을 가지고 있으며 2020년 7월 Katie White는 Artnet에서 봉쇄 기간 동안의 적절성에 대해 썼습니다 . 그러나 아마도 그 어느 때보다도 지금이 아침 해가 우리 시대의 이미지일 것입니다.

호퍼는 고독을 중요시했으며 그의 작품은 종종 자신의 생각에 빠진 개인을 묘사합니다. 그러나 그는 또한 도시 생활을 즐겼습니다. 호퍼는 오랫동안 거주했던 뉴욕에서 무엇을 하고 싶었는지에 대해 이렇게 말했습니다. "나는 도시 자체에서 대부분의 즐거움을 얻습니다." 모닝썬은 우리가 공적인 인물을 준비하고 사회로 나가기 전에 집에서 고독한 순간을 포착합니다. 그것은 우리 대부분이 일상적으로 경험하는 경험이었습니다. 우리가 고립에서 벗어났을 때, 그것은 우리가 완전히 다시 익숙해져야 할 필요가 있을 것입니다. Hopper의 Morning Sun에 나오는 여성이 이 순간을 어떻게 여기는지는 불분명합니다. 아마도 체념으로, 아마도 두려움으로, 그러나 또한 희망과 불굴의 의지와 열망으로 말이죠. 결국, 아침은 갱신의 시간입니다. 그리고 창 너머로 세상이 기다리고 있습니다.