초상화가 수천 년 동안 우리를 매료시킨 이유

고대부터 오늘날까지 초상화는 주제가 누구든지 인간성과 정체성에 대한 근본적인 진실을 말해 왔습니다. 초상화는 예술사에서 독특한 위치를 차지하고 있습니다. 누가, 어떻게 그려졌는지 살펴봄으로써 우리는 다른 어떤 그림도 제공할 수 없는 사회, 문화, 정치사에 대한 통찰력을 얻을 수 있습니다. 우리와 같은 호흡을 하는 인간이었거나 살고 있는 개인과 연결할 수 있는 기회를 제공한다는 사실은 또한 가장 접근하기 쉽고 인기 있는 사람 중 하나로 만듭니다. 전용 갤러리가 있는 유일한 장르이며 수많은 주요 전시회에 영감을 주었습니다. 앨리슨 스미스(Alison Smith) 수석 큐레이터는 "인물은 초상화, 전기, 역사가 교차하는 지점이라는 점에서 다른 예술 장르와 차별화됩니다. 예술 작품 그 이상입니다. 사람들은 초상화를 볼 때 그 사람을 만나고 있다고 생각합니다."라고 말했습니다. 런던 국립 초상화 미술관.

Catharina van Hemessen의 인상적인 자화상은 예술가로서의 정체성에 초점을 맞추고 있습니다(Credit: Kunstmuseum Basel)

이 장르의 기원은 권력을 가진 자를 높이는 것부터 죽은 자를 기억하는 것까지 다양한 기능을 수행했던 고대로 거슬러 올라갈 수 있습니다. 서기 1세기와 2세기에는 로마 이집트의 Fayum 지역에서 미라 케이스에 나타난 놀랍도록 자연주의적인 초상화가 만들어졌습니다. 그들은 일생 동안 사람들의 집에 매달아 두었다가 사후 세계로의 여행을 돕기 위해 미라 머리 위에 얹은 것으로 생각됩니다. 고대 로마에서 초상화 조각은 죽은 자를 기리거나 산 자의 성취를 기념하는 데 사용되었습니다. 두 경우 모두, 로마 사회에서 매우 중요한 인물의 혈통에 주의를 기울였습니다. 황실 초상화는 선전을 위한 귀중한 도구였습니다. 제국 숭배의 사원에 배치되어 경외감과 종속을 불러일으키도록 설계되었습니다.

초상화의 예는 중세 시대에 거의 남아 있지 않지만 고전 시대의 것과 비슷한 목적을 수행한 것입니다. 6세기에 지어진 라벤나의 산 비탈레 교회에 있는 유스티니아누스 황제와 테오도라 황후의 놀라운 실물 크기 모자이크는 특히 장엄한 권력의 과시입니다.

초상화는 우리의 과거와 현재를 기념하고 축하하며 보여줍니다.

사회 중산층의 독립된 초상화는 15세기에 이르러 얀 반 에이크(Jan van Eyck)가 1434년에 그린 아르놀피니의 결혼(Marriage of the Arnolfini)이 가장 유명한 작품 중 하나인 15세기까지 등장하지 않았습니다. 예술 역사상 최초의 이중 초상화 중 하나인 이 부부의 실제 같은 얼굴은 그림 안에 숨겨진 신비한 상징주의와 결합되어 런던 내셔널 갤러리 방문객들에게 지속적인 인기를 얻고 있습니다.

함대를 기념하기 위한 엘리자베스 여왕의 초상화는 진주 몸통 디테일에서 "처녀 여왕"으로서의 위상을 강조합니다(제공: 국립 해양 박물관)

초상화가 진정으로 그 자체로 등장한 것은 르네상스 시대였습니다. 이는 인본주의에 대한 관심이 높아짐에 따라 개인의 감각이 커진 결과라고 생각되는 경우가 많지만 최근 국립미술관의 <나를 기억하라> 전시의 큐레이터인 마티아스 우블은 지나치게 단순한 관점에 대해 경고한다. Ubl은  "당시 초상화가 번성하는 데 도움이 되는 많은 요소가 있었습니다."라고 말했습니다. "혁신과 감동의 시기였습니다. 인본주의가 매우 중요해지면서 자기 자신도 어떤 면에서 그랬지만 그게 전부는 아니었습니다. 도시의 성장은 귀족을 반영하려는 상업 엘리트의 부상을 보았습니다. 그들의 초상화를 그리는 것."

그리고 이 새로 부유한 사업가들은 자신의 성공을 과시하는 데 열심이었지만, 예의를 위해 지켜야 하는 일정한 기대가 있었습니다. Ubl은 "아직도 교회가 있고 길드 규정이 있으며 사회가 유덕한 여성이든 좋은 상인이든 사회에서 기대하는 바를 따라야 합니다"라고 말합니다.

이러한 좋은 상인들은 Hans Holbein의 Georg Gisze의 초상과 Jan Gossart의 Jan Jacobsz Snoeck의 초상에서 볼 수 있습니다. 그 시대의 대부분의 상인과 마찬가지로 그들은 다양한 상품을 거래했을 것입니다. 그러나 이 상품에 대한 암시는 그것이 없기 때문에 눈에 띄게 나타납니다. 아마도 육체 노동과 너무 밀접하게 연관되어 있기 때문일 것입니다. 대신 그들은 호화롭게 옷을 입고 편지, 문서 및 필기 자료로 둘러싸인 자신을 보여주기로 결정했습니다. 그들이 강조하고 싶은 것은 지위와 부였다.

여성의 지위와 부는 초상화에서 입는 훌륭한 의복과 장신구에서도 똑같이 분명했지만 가부장적 기대 때문에 여성의 아름다움과 미덕이 강조되었습니다. 전자는 종종 후자의 물리적 표현으로 생각됩니다. 내가 알고 있는 엘리자베스 여왕과 같은 강력한 사람이라도 그녀의 권위는 영국과 결혼한 "처녀 여왕"이라는 그녀의 이미지에 적지 않은 영향을 미쳤습니다. 무명의 예술가 의 함대 초상화 (현재 Queen's House 에 전시되어 있음), 런던) 침공한 스페인 해군의 패배를 기념하기 위해 그린 그림으로 그녀의 손은 자신 있게 지구를 짚고 있습니다. 그녀의 몸통에는 바다에서 자란 처녀성의 상징인 진주가 박혀 있습니다. 이 규칙의 주목할만한 예외는 Catharina van Hemessen의 1548년 이젤에서의 자화상(Self Portrait at Easel) 과 같은 여성 예술가 의 자화상이었습니다 . Ubl은 "그녀의 초상화는 이젤에 그림을 그리는 예술가를 보여주는 우리가 알고 있는 가장 초기의 것입니다. 그들이 매우 드물었을 때 그것이 여성 예술가였다는 것이 흥미롭습니다."라고 말합니다.

반 고흐의 강력한 밀짚모자를 쓴 자화상이 런던 코톨드의 전시회에서 전시되고 있습니다(제공: 디트로이트 예술 학교, Bridgeman Images)

초상화의 중요성이 커지면서 프랑스 왕립 아카데미가 장르의 계층 구조를 만들고 역사 그림 다음으로 두 번째로 배치한 17세기에 확고해졌습니다. 위대함과 선함을 기록하고 모든 장르의 최고 수준을 반주하는 역할을 한다고 가정했습니다. 초상화에 대해 새로 지정된 이 역할은 1770년대에 필라델피아에 문을 연 Charles Willson Peale의 갤러리와 같은 초기 초상화 갤러리의 형성 뒤에 있었으며 독립 선언서에 서명한 많은 인물이 등장했습니다. 영국의 국립 초상화 갤러리(National Portrait Gallery)는 1856년 윌리엄 셰익스피어(William Shakespeare)의 초상화가 컬렉션에 처음으로 들어왔습니다.

비록 이 갤러리들이 그들이 필연적으로 관련된 모든 계급, 성별, 인종 편견과 함께 주목할만한 인물들의 초상화만을 수집했지만, 그들의 벽 밖에서 장르는 점점 더 다양해지고 있었습니다. 19세기가 진행되면서 초상화는 부상하는 부르주아 계급과 점점 더 관련이 되었습니다. 그들의 허영심은 많은 작가와 비평가들에게 조롱을 받았지만 이러한 형태의 초상화가 등장한 것은 서유럽 전역을 휩쓴 주요 사회적, 정치적 변화를 나타냅니다. 의회의 권위. 사진의 출현은 누가 묘사될 수 있는지 민주화하는 데 중요한 요소였으나 사회에서 개인의 역할에 대한 관점의 변화도 마찬가지였습니다.

자화상은 물론 예술적 표현의 중요한 부분이었습니다. 고갱과 말다툼을 한 후 귀의 일부를 자른 후 그린 반 고흐의 상징적인 귀에 붕대를 감은 자화상은 외상에도 불구하고 그림을 계속하겠다는 그의 결의를 강력하게 보여줍니다. 현재 Courtauld의 자화상 전시회 에서 중심 무대를 차지합니다 .

 

'인간의 친교'

 

최근 프랑크푸르트의 Schirn Kunsthalle 에서 주요 회고전의 주제가 된 Paula Modersohn-Becker 도 다른 여성, 어린이 및 지역 농민과 함께 자신의 초상화의 주제가 된 것으로 유명합니다. 1905년경 그녀가 파리에서 발견한 Fayum 미라 초상화의 영향을 받은 그녀의 초상화는 당시 여성을 묘사하는 데 있어 보기 드문 심리적 강렬함을 가지고 있습니다. 그녀가 모델을 선택한 것은 적어도 부분적으로는 편리함 때문이었지만, 그럼에도 불구하고 그녀는 가장 겸손한 대상을 최고의 존엄으로 대우합니다. 큐레이터 잉그리드 파이퍼(Ingrid Pfeiffer)는 "그들은 사회에서 가장 가난한 사람들이었고 그녀는 그들에게 시대를 초월한 거의 거룩함의 분위기를 주었습니다."라고 말합니다.

폴라 모더존 베커의 여섯 번째 결혼식 날의 자화상.  예술가는 관습에 도전하는 것을 두려워하지 않았다 (Credit: Paula Modersohn-Becker Museum, Bremen)

거의 범신론적인 자연에 대한 모더존-베커의 사랑은 그녀의 가장 유명한 그림인 1906년에 그린 6번째 결혼기념일의 자화상을 포함하여 그녀의 작품 전반에 걸쳐 분명하게 나타나 있습니다. 그녀는 임신한 것처럼 보이지만 그렇지 않았습니다. "그녀의 배는 인간과 예술 모두에서 다산의 상징입니다."라고 Pfeifer는 말합니다. Modersohn-Becker는 그녀의 재능을 잘 알고 있었지만 동시에 그녀의 주제가 작품을 전시할 수 없다는 것을 의미한다는 것을 알고 있었습니다. "그녀의 남편인 Otto도 그녀의 평생 동안 아무도 그것을 본 적이 없었습니다. 그녀는 그녀가 완전히 금기시한 무언가를 그리고 있다는 것을 알고 있었습니다."라고 Pfeiffer는 말합니다.

Modersohn-Becker와 마찬가지로 20세기 예술가 Alice Neel은 관습에 도전하는 것을 두려워하지 않았습니다. 그녀는 당시 미술계를 지배했던 추상표현주의를 거부하고 초상화를 자신의 시대의 시각적 역사를 만드는 방법으로 보았다. 사회적으로 소외된 사람들에게 본능적으로 끌리는 그녀는 그들이 처한 상황을 비판하면서도 위엄 있게 묘사할 수 있었습니다. 빌바오 의 구겐하임에서 최근 닐의 초상화 전시회를 기획한 루시아 아기레는 "그녀에게 그것은 사회를 변화시키는 방법"이라고 말했습니다 .

"그녀는 보모들과 특별한 공감을 했습니다. 보통 그녀는 자신이 정말 좋아하는 사람들, 거리의 아이들, 활동가 또는 공산주의 작가였던 그녀의 친구를 선택했습니다. 그녀에게 이 사람들은 할 말이 있습니다."라고 Agirre는 설명합니다. Neel은 여성, 특히 자신과 같은 소외된 여성의 감정적, 육체적 투쟁에 특별한 친화력을 보였고 이웃 Peggy의 가정 폭력을 포함하여 금기시되는 주제를 부끄러워하지 않았습니다. "1949년에 그녀는 Peggy의 이 아름다운 초상화를 만들었습니다. 그녀의 얼굴에 자국이 있는 것을 볼 수 있지만 동시에 그녀의 존엄성을 부여합니다. 그 당시에는 당신이 그것에 대해 이야기하지 않은 것이었습니다."라고 Agirere는 말합니다.

Alice Neel의 Black Draftee(제임스 헌터).  그녀의 초상화에서 Neel은 주제를 기념하고 기념합니다(제공: Alice Neel의 유산, 빌바오, 2021)

Neel은 비교적 늦게까지 그녀의 획기적인 초상화로 인정을 받지 못했지만, 그들의 다큐멘터리와 민주적 성격은 초상화가 제공할 수 있는 다양한 기능뿐만 아니라 초상화의 지속적인 관련성을 보여줍니다. 그들은 우리가 누구인지, 그리고 지금 우리가 누구인지를 기념하고 축하하며 보여줍니다.

과거에는 그것이 실제로 계급이나 지위 또는 유명인의 표시였다면, 나는 이제 초상화가 정체성에 관한 것이라고 생각합니다 - Alison Smith

많은 저명한 인물들이 그림을 그리거나 사진을 찍을 기회가 없었다는 사실과 결합된 과거 수집 관행은 초상화 갤러리가 한 국가의 과거를 완전히 대표할 수는 없지만 현재에 가까울수록 더 포괄적인 표현임을 의미합니다. 된다. "우리의 입학 기준은 이제 훨씬 더 넓어졌습니다. 정치적, 종교적, 법적 수치를 넘어섰습니다. 더 민주적이며 오늘날 우리는 다양한 형태의 성취를 축하합니다."라고 Smith는 말합니다. 그리고 특정 역사적 편견을 해결할 수 있습니다.

국립 초상화 갤러리가 보수 공사로 인해 폐쇄된 동안 여성의 표현이 부족하다는 문제를 해결하려고 합니다. 이미 컬렉션에 있는 여성에 대한 연구가 진행 중이며 새로운 수집이 이루어질 것입니다. 기본 컬렉션에는 12,000개가 있지만 참조 컬렉션은 약 400,000개에 달하는 방대한 범위의 초상화를 그릴 수 있으므로 하이라이트를 선택하라는 요청을 받는 것은 사실상 불가능한 작업입니다. 그러나 그렇게 하도록 요청받았을 때 스미스의 선택은 초상화의 독특한 특성과 대중의 상상력을 지속적으로 유지하는 이유를 강조합니다. Hans Holbein의 Henry VII와 Henry VIII의 그림, 현재 분실된 그림을 위한 준비 작업, The Ditchley Portrait of Elizabeth I, 영국 역사상 가장 유명한 군주의 궤도로 우리를 데려가십시오. 그 자체로도 훌륭한 예술 작품입니다.

스미스도 선택한 윌리엄 셰익스피어의 초상화와 형제 브랜웰의 브론테 자매의 초상화는 그렇지 않다. 그러나 그것들은 대중들에게 가장 인기 있는 것들 중 일부입니다. 단순히 그들이 그렇게 사랑받는 문학 인물들과의 연결 수단을 제공하기 때문입니다. Laura Knight's Self Portrait with Model은 "예술계 여성의 역사에 정말 중요한 작품"이기 때문에 선택되는 반면 Smith는 보다 현대적인 커미션 중 Shirin Neshat의 Malala 초상화를 선택 하여 방문객들에게 큰 호응을 얻었습니다.

Paula Modersohn-Becker의 꽃병을 든 누드 소녀는 예술가의 강렬하고 시대를 초월한 초상화의 전형입니다(Credit: Von der Heydt-Museum Wuppertal)

물론 위대하고 선한 사람을 넘어서 우리 중 가장 겸손한 사람은 매년 BP 초상화 상을 수상할 기회가 있습니다. 비록 현재 갤러리가 문을 닫은 동안에는 보류되지만 말입니다. "그 쇼에 나오는 사람들이 평범한 사람들이기 때문에 매우 인기가 있습니다. 당신의 자매, 형제 또는 당신이 거리에서 발견하고 흥미롭게 발견한 모델일 수 있습니다."라고 Smith는 말합니다.

"그것은 인간의 친교입니다. 과거에는 그것이 실제로 계급이나 지위 또는 유명인사의 표시였으나 지금은 초상화가 실존주의에 더 가깝다고 생각합니다. 그것은 심리학, 그들이 누구이며 그들이 사회에 어떻게 적응하는지에 관한 것입니다. 그것은 정체성에 관한 것입니다. "라고 스미스는 말합니다. 황제, 배우, 활동가 또는 거리의 평범한 사람이든, 그것은 우리 모두가 공유하는 것이며 초상화가 우리의 관심을 결코 멈추지 않는 이유를 설명합니다.