Cornelia Parker: 폭파시키는 것을 좋아하는 아티스트

Cornelia Parker는 자신의 작업에 폭발물, 증기 기관차 및 뱀 독을 사용합니다. 런던에서 주요 전시회가 열리면서  예술가의 "폭력적인 변형" 이면에 있는 내용을 탐구합니다.  영국 예술가 Cornelia Parker가 1960년대 Cheshire의 작은 농장에서 신체적 학대를 가하는 아버지의 세 딸 중 하나인 어린 소녀였을 때 그녀는 근처의 철도 선로에 동전을 놓아 그 선로가 일상적인 유용성에서 무언가로 부서지는 폭력적으로 변하는 것을 지켜보곤 했습니다. 망가지고 더 소중한 것: 예술 작품. 마구간을 비우고 젖소를 짜기 위해 노는 시간을 억지로 바꿔야 하는 어린이에게 있어, 겉보기에 무해해 보이는 행동은 짜릿할 정도로 파괴적이었습니다. 평범한 물건에 새로운 가치를 부여하기 위해 지나가는 기차의 위협적인 힘을 이용함으로써 Parker는 단순히 한 푼도 아끼지 않았습니다. 그녀는 상상력을 발휘했습니다. 1980년대 후반부터 Parker는 플라스틱 폭발물에서 증기 기관차, 독사 독, 머리를 잘라낸 단두대의 칼날에 이르기까지 모든 것을 창의적 변화의 터무니없는 대리인으로 활용하여 현대 미술에서 가장 인상적인 작품을 제작했습니다. 마리 앙투아네트. 런던에서 열린 그녀의 작품에 대한 첫 번째 주요 설문조사를 위해, 테이트 브리튼(Tate Britain)은 거의 100점에 달하는 Parker의 조각, 설치, 드로잉, 영화 및 사진을 수집하여 30년 넘게 멍들고 부서지고 부서진 삶의 파편들로부터 파괴할 수 없는 아름다움을 짜내겠다는 그녀의 결의를 기록했습니다. 녹은 탄알로 만든 가는 철사를 종이로 꿰매어 만든 작은 그림부터 영국군을 설득한 정원 헛간의 매달린 잔해를 포함해 30년 전 파커를 유명하게 만든 폭발적인 대형 작품까지 모든 것이 여기에 있습니다. 1991년 산산조각난 그녀의 일격을 돕기 위해

The Distance(A Kiss with String Attached)를 만들기 위해 Parker는 1마일의 끈으로 Rodin의 조각품을 감쌌습니다(Credit: Cornelia Parker/Tate Photography)

파커는 BBC 컬처와의 인터뷰에서 자신의 인생에서 창조적인 노력이 한 곳에 모인 모습을 떠올리며 "모든 것이 한데 엮여 있다"고 말했다. "Tate는 내 모든 주요 작품을 소유하고 있기 때문에 오래된 아카이브에서 그것들을 꺼내야만 했습니다. 나는 로댕의 Kiss를 끈으로 묶은 조각을 가지고 있습니다. 그들은 Kiss를 소유하고 있으며, 그들은 내가 내 작업을 다시 수행하십시오." 재연은 Parker의 상상력과 예술의 중요한 측면으로, 우리의 눈을 사로잡아 익숙한 사물을 처음 보는 것처럼 보이게 만듭니다. 2003년 그녀는 프랑스 조각가 오귀스트 로댕(Auguste Rodin)이 그린 단테의 인페르노(Tate's Inferno)에 나오는 불륜 연인에 대한 상징적인 대리석 묘사에 개입했습니다. 이 작품은 유명한 대리석 카누들을 1마일 1마일의 끈으로 감싸고 쓴웃음을 지어 The Distance(A Kiss with String Attached)라는 이름을 붙였습니다. .

 

신선한 눈으로

 

파커의 모든 작품과 마찬가지로 로댕의 걸작을 일시적으로 훼손한 파커의 작품에는 눈에 보이는 것보다 훨씬 더 중요한 것이 있습니다. 그녀가 신중하게 선택한 "1마일의 끈"은 1942년에 같은 길이의 끈을 사용하여 박물관 내부를 그물망으로 만든 선구적인 프랑스 전위 예술가 Marcel Duchamp가 한 유명한 장난에 대한 암시 입니다.동료 초현실주의자들의 작품을 전시하고 있어 걸으면서 쇼를 보는 것이 매우 어색합니다. 그러나 Parker는 작품에 참여하는 것을 거의 불가능하게 만든 험악한 장난을 단순히 리허설하는 것이 아닙니다. Parker는 Dante의 연인인 Paolo Malatesta와 Francesca da Rimini의 차갑고 끌로 장식된 클린치를 고치면서 로댕의 조각품을 재창조합니다. 로댕 작품의 윤곽을 가리고 강조함과 동시에 느슨함과 팽팽함을 번갈아 가며 감는 줄은 우리가 더 이상 실제로는 볼 수 없는 문화적 시금석의 심오함을 우리 눈으로 풀게 합니다.

순전히 개념적인 것과는 거리가 먼 Parker의 작업은 파괴적으로 물리적입니다.

1917년에 사용하지 않은 소변기 를 옆으로 눕힌 것으로 악명 높았던 그녀 이전의 Marcel Duchamp가 "R. Mutt"라는 이름으로 도자기에 서명하고 우리가 그것을 조각품으로 받아들이도록 감히 했듯이 Parker는 발견된 물건의 끊임없는 부활입니다. . 하지만 차이점이 있습니다. 큰 것. "레디메이드"에 대한 뒤샹의 획기적인 개념이 예술가의 최소한의 중재에 의존하는 반면, 파커의 예술은 극단적이고 격렬한 혼란의 영향을 변함없이 드러냅니다. 순전히 개념적인 것과는 거리가 먼 그녀의 작업은 파괴적으로 물리적입니다. 그녀는 물리적인 힘을 강력한 힘을 통해 보다 심오한 심리적, 감정적 무언가로 활용합니다. 그런 의미에서 Parker의 접근 방식은 처음에 보이는 것보다 훨씬 더 전통적입니다.

예술의 이야기는 결국 파괴의 이야기, 즉 사물을 예상치 못한 표현력으로 몰아붙이는 이야기입니다. 무수한 진홍빛 연지 딱정벌레를 분쇄하고 수백만 마리의 살아있는 바다 달팽이에서 나온 보라색 점액선의 격렬한 비틀림, 루벤스에서 렘브란트에 이르기까지 미술사에서 가장 기억에 남는 그림에서 진동하는 풍부한 빨강과 선명한 제비꽃이 아니었다면, 흐릿하게 흐려질 것입니다. 예술은 처음부터 잔해가 부활한 것입니다. 우리는 이제 초기 석기 시대 예술가들이 부서진 동물 골격을 소각하고 탄화된 파편을 분쇄하여 빛나는 검은색 안료를 생성하여 동굴 벽에 들소의 정적을 스케치하는 데 사용했다는 것을 압니다. 영향력 있는 Il libro dell'arte 를 빠르게 살펴 보세요.(또는 The Book of Art") – 15세기 전환기에 이탈리아 화가 Cennino Cennini가 쓴 핸드북 – 그리고 "부수다", "끓이다", "갈다", 예술을 만드는 데 필요한 재료의 "두드리다", "두드리다", "쥐어 짜다" - 부서진 눈보라에서 아름다움을 마술처럼. 파멸과 상상은 단순한 운율이 아니라 손이 예술을 만들 때 함께 갑니다.

은화 30개를 위해 Parker는 중고 은 물건 수집 위로 증기 롤러를 몰았습니다(Credit: Cornelia Parker).

친숙한 것에서 놀라운 음악을 짜내려는 Parker의 본능은 쇼의 초기 작품인 그녀의 획기적인 설치 작품인 Thirty Pieces of Silver(1988-89)에서 분명합니다. 그녀는 30대 초반에 1,000개 이상의 은과 은을 증기 롤러로 운전하여 제작했습니다. 도금된 물건. 납작한 찻주전자와 트롬본, 아기 숟가락과 담배 케이스는 그녀가 런던의 포토벨로 시장에서 운영하는 데 도움을 준 자동차 장화 판매, 시장, 중고 가판대에서 모았습니다. 구겨진 식기, 트로피 및 악기는 이전의 모양과 실용적인 기능에서 해방되어 30개의 분리된 웅덩이 또는 "디스크"로 나뉘었습니다. 광택이 나는 잔해는 파커가 바닥에서 몇 인치 떨어진 긴 철사에 시적으로 매달려 있었습니다.

떠다니는 잔해는 흐트러진 디자인이 거칠고 불규칙하며, 폭 5행, 길이 6행의 미니멀리스트 그리드를 형성하며 신중하게 측정되고 수학적으로 표현됩니다 . 그리고 아그네스 마틴. 1990년 런던 헤이워드 갤러리에서 작품이 처음 전시되었을 때 Parker는 " 갤러리에서 폐허가 된 물체는 유령처럼 바닥 바로 위에 떠 있으며 변형에 비추어 재평가되기를 기다리고 있습니다."라고 설명했습니다. 제목은 성경적 언급 때문에 돈, 배신, 죽음과 부활을 암시합니다. 더 간단하게는 작품에 대한 문자 그대로의 설명입니다."

한편으로는 수많은 기념 유품을 부수는 데 필요한 파괴력(시각의 폭력성은 말할 것도 없고)의 근육질과 바닥에 변하는 그림자 풍경을 드리우는 파편의 눈부신 전시의 공중 부양 서정성 사이의 긴장 , 당신의 길을 막는 것입니다. "파괴된 물건"의 무거운 변형과 우연하게 드리워진 그림자의 무중력 발레 사이의 우연한 마찰은 Parker가 후속 작업에서 더 조화롭게 제어하려고 노력할 것입니다. 그녀는 BBC Culture에 "나는 그림자와 반대되는 반짝이는 것과 그림자를 좋아한다"고 말했다. "저는 항상 야상곡을 좋아했습니다. 조명을 처음 사용한 것은 폭발한 창고였습니다. 광원으로 작업을 하고 싶었습니다. 폭발과 연결되는 플래시-그래서 말이죠."

Parker는 "만화의 폭력성에서 액션 영화에 이르기까지" 폭발의 이미지로 끊임없이 공격을 받고 있다고 말했습니다(Credit: Cornelia Parker).

그녀는 물론 은화 30개 이후 2년 동안 제작된 그녀의 가장 잘 알려진 작품인 Cold Dark Matter: An Exploded View에 대해 이야기하고 있습니다. 파커가 1991년 들판에서 폭파시킨 정원 헛간에서 부서진 내용물이 보이지 않는 필라멘트로 매달려 있는 이 설치물은 뒤틀리고 뒤틀린 자전거, 정원 도구, 페인트 냄비의 파편 중앙에 위치한 번쩍이는 전구에 의해 눈부시게 조명됩니다. 그리고 실루엣이 갤러리 외벽에 투영된 장난감. 이 작품은 제목에서 일상 생활의 긴급성과는 거리가 먼 이론적인 개념을 언급할 수 있지만("저온 암흑 물질"은 물리학자들이 가정한 암흑 물질의 한 유형임), Parker의 설치가 미친 영향에 대해 냉담하거나 멀리 있는 것은 아닙니다.

그들의 육체적, 정신적 무게와 독창적인 솜씨를 위해, 수리할 수 없을 정도로 부수고 폭발시키는 재료로 만든 경력으로 가득 찬 작품의 중심에는 피할 수 없는 유머가 있습니다.

찌그러뜨리기를 좋아하는 작가의 성향은 어릴 적 철로에 동전을 두고 온 것까지 거슬러 올라갈 수 있지만, 실루엣에 대한 이러한 매력은 어디에서 비롯된 것일까요? "오, 그건 내 동굴에 살았던 시절, 내 플라톤의 동굴 시절부터야." 예술가는 웃으며 대답했다. 그들의 육체적, 정신적 무게와 기발한 솜씨에는 경력의 중심에 피할 수 없는 유머가 있다는 것을 상기시킨다. 수리할 수 없을 정도로 부수고 폭발시키는 재료로 만든 작품으로 가득합니다. 그녀는 1793년 Marie Antoinette를 위해 짧은 단두대를 통과한 칼날로 두 조각으로 자른 Oliver Twist 인형의 베인 몸통 뒤에서 냉담한 미소를 지었습니다. Parker는 Madame Tussauds에서 빌린 소품입니다. 그리고 뱀의 독과 해독의 보완적인 얼룩을 사용하여 우리의 잠재의식 내부에서 움직이고 있는 것을 드러낼 수 있는 해석 가능성이 있는 모호한 Rorschach 같은 얼룩을 만든다는 개념은 재미있습니다. 그냥입니다.

Parker의 변덕스러운 마음은 수많은 미디어 유형과 표현 방식에 걸쳐 있습니다. 이제 Guy Fawkes에서 Charles Dickens(Stolen Thunder, 1996-7)에 이르기까지 모두가 소유한 은그릇의 변색으로 얼룩진 구겨진 손수건을 틀에 박고 현재 핫 포커를 사용하고 있습니다. 접힌 종이를 태워 그을린 구멍의 패턴을 만드는 것(Hot Poker Drawings, 2009-2013) – 그녀의 작업을 회고하면 스타일이나 비전에서 식별 가능한 진화 감각이 드러날 수 있는지 합리적으로 의심할 수 있습니다. 그녀의 작품을 살펴보는 것은 미학적 기법의 세심한 축적과 접근의 세련미를 목격하는 것이다.

Parker는 Perpetual Canon으로 30개의 은화를 확장하여 60개의 금관 악기를 부수었습니다(Credit: Cornelia Parker).

쇼에서 가장 마음을 사로잡는 작품 중 하나인 Perpetual Canon(2004)은 30개의 은 조각과 차가운 암흑 물질에서 처음으로 실험된 비유의 혼합입니다. 15년 전에 사용했던 증기 롤러와 지게차보다 25배 더 강한 산업용 프레스의 힘을 불러와 Parker는 60개의 튜바, 트럼펫, 관관 및 거대한 수색을 숨가쁜 피부로 부수고 주위를 도는 납작한 소행성처럼 배열했습니다. 매달린 램프. Parker는 BBC Culture에 "구겨진 악기는 마칭 밴드처럼 원을 그리며 고리에 매달려 있었습니다. 저는 악기가 그림자가 되는 것을 아주 좋아했습니다. 청중이 그림자와 물체 사이에 있다는 것을 의미하기 때문입니다. 당신은 할 수 없습니다."라고 말했습니다. 물체가 그림자에 눌려 있다고 말하면 마치 유령 띠와 같습니다. 영원히 계속되는 Perpetual Canon의 아이디어. 마치 이 관악기가 들이마시고 내쉬지 않는 것과 같습니다. 마치 숨을 ​​들이마시고 갇힌 공간에 있는 것처럼."

그녀는 빛과 어둠의 상호 작용에 끌립니다. "나는 그림자의 상상력이 좋아요. 당신은 그림자가 됩니다. 빛은 모든 악기를 증폭시키고, 그것을 통해 더 불협화음이 되므로 청각보다는 시각적 증폭을 받는 것과 같습니다. 모든 것을 확대하는 것과 같습니다."

"모든 것을 확대"하는 것이 Parker가 가장 잘하는 일입니다. 사물의 삶에 대한 그녀의 강력한 개입과 존재의 소구에서 의미를 짜내려는 그녀의 결의는 결코 사물의 힘을 약화시키지 않고 강화시키는 결과를 낳습니다. 그녀는 사물의 바람을 두드려서 역설적으로 그것의 호흡을 본질화하기 위해 관리합니다. 그리고 그것은 그녀가 오늘날까지 계속해서 신선한 감각으로 해내고 있는 트릭이며, 전시회를 위한 새로운 설치물인 Island(2022)를 만들고 있습니다. 그것은 Tate의 쇼의 마지막 작품입니다.

자체 갤러리를 차지하는 기이하게 다양한 작품은 온실로 구성되어 있으며 창문은 도버의 화이트 클리프(그녀의 작업에서 반복되는 재료)의 분필로 얼룩져 있습니다. 폐의 리듬에 맞춰 시간에 맞춰 온실 내부의 빛은 19세기 국회 의사당을 위해 Augustus Pugin이 디자인한 버려진 타일로 만든 구조물 바닥을 간헐적으로 살짝 보여줍니다. "그것은 떠 다니는 카펫처럼 보입니다."라고 Parker는 말합니다. "세계에서 가장 영향력 있는 사람들이 모두 그들을 가로질러 걸었습니다. 글래드스톤 여러분. 정치인들에 의해 얇아졌습니다. 온실이 이 위에 떠 있는 것처럼 보입니다." Parker에 따르면 빛은 "숨쉬는 것처럼 매우 천천히 맥동하므로 그림자가 벽을 채웁니다.

이 작품은 Parker가 "무언가를 공고히 하고 있다"고 말한 쇼에 적합한 마지막 메모입니다. 그녀의 부서지고 폭발한 작품보다 덜 공격적이지만, 그럼에도 불구하고 Island는 사용되지 않는 온실의 기후 변화와 새하얗게 칠해진 창문과 그리운 바닥에서 문화적 고립의 두려움을 주제로 하는 시적인 펀치를 포장합니다. 호흡하는 빛을 원하는 대로 만드십시오.