베르트 모리조의 요람: 인상주의를 풀어낸 간과된 그림

많은 사람들이 모네의 인상, 일출을 핵심 인상파 그림으로 집중했지만, 또 다른 이미지는 150년 전에 시작된 운동의 중추적인 역할을 했습니다.

어머니와 아이에 대한 모리조의 묘사는 단순한 묘사라기보다는 심리적으로 미묘한 차이가 있었습니다(제공: Getty Images)

예술에서는 손에 관한 것입니다. 손을 만드는 사람과 만드는 사람입니다. 예를 들어, 작은 캔버스 The Cradle(1872)에서 젊은 모성의 친밀한 이야기를 엮는 손을 생각해 보세요. 이 작품은 Berthe Morisot의 몰입도 높은 몸짓의 걸작입니다. Berthe Morisot는 프랑스 인상주의 작품의 첫 번째 전시회에 초대된 유일한 여성 예술가입니다. 150년 전인 1874년 4월 15일 파리에서 문을 열었습니다. 갓 태어난 딸 블랑쉬를 바라보며 사색에 빠져 있는 모리조의 여동생 에드마의 초상화, The Cradle은 그림의 양파입니다. 닿을 수는 없지만 매혹적인 본질이 담겨 있습니다. 우리의 눈은 결코 완전히 벗겨질 수 없는 반투명 베일의 층입니다.

1872년 The Cradle을 통해 Morisot는 어린 시절과 모성에 대한 새로운 표현을 시도했습니다(제공: Getty Images)

Claude Monet과 Edgar Degas, Camille Pissarro, Paul Cézanne의 그림을 포함하여 그녀의 시대를 정의한 쇼에 기여한 작품보다 덜 잘 알려져 있지만 Morisot의 The Cradle은 인상주의 의식이 얼마나 혁명적인지를 이해하는 데 핵심입니다. 이 그림은 인상주의의 기질과 기술이 많은 신흥 예술가들의 작품을 일상적으로 거부했던 파리 아카데미 데 보자르의 공식 미술 전시회인 강력한 살롱의 감성에 도전한 방식을 보여줍니다.

언뜻 보면 어린이집 같은 평온함을 풍기는 The Cradle의 겉보기 평온함은 표면적으로만 고요할 뿐입니다. 더 깊이 들여다보면 예술계에서 유례가 없는 긴박함을 지닌 내면의 불안이 내부로부터 빛을 발합니다. 한 손은 지친 머리의 무게를 지탱하고 다른 한 손은 아기가 쉬고 있을 때 떨어지는 빛을 부드럽게 해주는 섬세한 보일의 밑단을 꼼지락거리는 에드마의 손의 차이가 작품에 날카로운 에너지를 만들어냅니다. 젊은 엄마의 손은 그녀와 우리를 두 방향으로 끌어당깁니다.

 

매우 현대적이고 감동적인 것은 The Cradle의 심리적 복잡성, 즉 모성의 도전을 포착하려는 헌신입니다.

 

 

Morisot와 마찬가지로 Edma도 해군 장교 Adolphe Pontillon과 결혼하기 전에 화가가 되기 위해 비공식적으로 훈련을 받았고 가족을 시작하는 데 초점을 두었습니다. 어머니가 되기 위해 예술을 포기하는 것에 대한 Edma의 불안은 그녀가 나중에 Berthe에게 쓴 가슴 아픈 편지에서 분명하게 드러납니다. 그녀는 한때 함께 공유했던 스튜디오의 광택나는 공기를 마시기 위해 종종 빠져나가는 자신을 발견했다고 고백했습니다.

어머니와 아이에 대한 모리조의 묘사는 단순한 묘사라기보다는 심리적으로 미묘한 차이가 있었습니다(제공: Getty Images)

에드마의 손가락 끝의 긴장된 움직임 속에서 우리의 잠재된 자아의 가능성으로부터 우리를 보호하는 베일을 찢어버리려는 억눌린 충동을 보지 않는 것은 어렵습니다. 팔레트에 있는 안료를 사용하여 다양한 밀도의 투명한 직물을 직조하여 그 너머에 있는 것에 대한 우리의 눈의 접근을 걸러내는 Morisot의 기교는 약 31명의 인상파 예술가들의 개회 전시회에 전시된 그 어떤 작품보다도 매혹적입니다. 무브먼트의 개략적인 몸짓, 야외 활동 정신, 빛에 대한 사랑을 급진적으로 드러낸 작품입니다. 이러한 특성은 Morisot의 쇼에 기여한 10점의 그림, 파스텔 및 수채화에도 있지만, 매우 현대적이고 감동적인 것은 The Cradle의 심리적 복잡성, 즉 모성의 도전을 포착하려는 헌신입니다.

조기 약속

부르주아 가문에서 태어난(그들의 아버지는 프랑스 중부 지방의 고위 행정관이었습니다), 모리조 자매는 어릴 때부터 회화에 대한 관심을 키워온 행운을 누렸습니다. 이는 당시 야심찬 여성 예술가들에게는 드문 이점이었습니다. 그들은 제공된 개인 스튜디오에서 기술을 연마하지 않을 때면 가정교사로 남아 있던 유명한 풍경화가 카미유 코로로부터 야외에서 빛의 언어를 번역하는 법을 배우고 있었습니다. 얼마 지나지 않아 자매들의 놀라운 약속에 대한 소식이 전해졌습니다. 그들의 능력에 대한 에두아르 마네의 초기 존경심은 "그들이 남자가 아닌 것이 안타깝다"는 그의 시대에 대해 너무나 실망스러운 논평 에서 구체화되었습니다 .

Repose(1871)에서 마네는 틀에 얽매이지 않고 비공식적인 자세로 모리조를 보여주었습니다(제공: Getty Images)

마네의 애도에는 자매들의 성별이 그들에게 불리하게 작용할 것이라는 동정심이 있고, 특히 베르트의 손을 조심스럽게 다루었던 12점의 초상화에는 틀림없는 감탄이 담겨 있습니다. 모리조가 <요람>을 그리기 전인 1871년, 마네는 많은 현대인의 눈에 너무 편안한 자세로 그녀를 묘사하여 큰 화제를 불러일으켰습니다. The Repose에서 Morisot의 손은 닫힌 부채의 뻣뻣한 부분을 움켜쥐고 그녀가 누워 있는 매력적인 벨벳 소파 위에 무중력으로 쉬고 있는 모습이 다양하게 보입니다.

같은 해에 모리조(마네의 동생인 외젠과 결혼하게 됨)는 에드마의 단독 초상화인 퐁티용 부인의 초상화에서 손의 신비를 직접 시험해 보았습니다. 장례식 복장과 알 수 없는 표정. 프랑스 사진작가 나다르(Nadar)의 작업실에서 열린 첫 번째 인상파 전시회에서도 선보인 파스텔 작품의 명백한 평온함은 손가락의 안절부절로 인해 다시 한 번 불안해집니다. 여기, 이전에 무릎 위에 접혀 있던 그녀의 여동생의 손이 움직이고 있고, 오른쪽 손은 자신의 마음으로 그녀의 왼쪽 손목 위로 꿈틀거리기 시작합니다. 그녀는 소매에 뭔가를 갖고 있습니다. 우리의 눈이 그녀의 손에서 빠져나가게 만드는 비밀입니다.

Morisot의 Madame Pontillon의 초상화(1871) 또한 Edma의 손이 안절부절 못함을 암시합니다. (Credit: Getty Images)

모든 사람이 Morisot의 숫자 손재주에 매혹된 ​​것은 아닙니다. 풍자잡지 르 샤리바리(Le Charivari)의 전시회를 평론하던 변덕스러운 현대 평론가 루이 르로이(Louis Leroy)는 모리조의 손을 맨손으로 다루었다. "이제 마드모아젤 모리조를 데려가세요!"라고 르로이는 아직 30대 초반인 신흥 예술가를 경멸하는 말로 썼습니다 . "그 젊은 아가씨는 사소한 세부 사항을 재현하는 데 관심이 없습니다. 그림을 그릴 손이 있으면 그녀는 세로로 붓질을 정확히 많이 합니다. 손 그림에 까다로운 어리석은 사람들은 인상주의에 대해 전혀 이해하지 못합니다." 물론 같은 리뷰에서 쇼에 참가한 많은 예술가들이 사용한 깨진 붓놀림을 "인상파"라고 명명하여 얼룩지게 하려고 한 사람은 바로 Leroy였습니다. 그룹이 자랑스럽게 그 이름을 받아들였을 때 의도적인 비방은 역효과를 냈습니다.

"인상주의"라는 용어에 대한 르로이의 조롱적인 신조어는 클로드 모네 자신이 희미하게 빛나는 새벽 풍경에 붙인 제목인 인상, 일출(1872)에서 영감을 얻었습니다. 이 그림은 오늘날까지 가장 사랑받고 논의된 유일한 캔버스로 남아 있습니다. 획기적인 쇼. 그의 고향인 르아브르 변두리 항구의 살구빛 반짝임을 시선을 사로잡는 모네의 더 잘 알려진 캔버스와는 달리, 모리조의 모성애에 대한 성찰과 성찰에 대한 묘사는 뚜렷한 전례가 없습니다.

Monet의 Impression, Sunrise(1872)는 이 운동에 이름을 부여하고 선구적인 것으로 칭찬받았지만 JMW Turner의 작업에서 영감을 얻었습니다(제공: Getty Images)

모네는 습작이나 스케치라기보다는 완성된 작품으로서 서정적인 빛으로 단편화되는 그의 대체 가능한 형태를 대담하게 제시했지만, 그의 캔버스에서 진동하는 느슨한 광채는 사실 전례가 없는 것은 아닙니다. 그 미숙한 백열광은 30년 전 영국 예술가 JMW 터너(JMW Turner)의 후기 캔버스의 기질과 톤에 의해 예상됩니다. 이 작품은 모네가 인상, 일출을 그리기 직전 런던에 살면서 명상했던 작품입니다. 미술사에는 모자가 부족하지 않지만 모리조의 작품은 새로운 주파수에 맞춰져 있습니다.

첫 번째 인상파 전시회의 불타오르는 붉은 벽에 대한 The Cradle의 영향을 증대시키는 것은 우연이기는 하지만 방문객들이 그 그림을 경험했을 충격적인 맥락이었습니다. 나다르의 개조된 작업실에 작품 배치는 참여 예술가들의 추첨을 통해 결정되었지만, 부모로서의 삶과 유아기의 모든 긴장과 부드러움이 담긴 The Cradle을 순간의 신나는 묘사와 나란히 걸기로 결정했습니다. 매음굴에 있는 매춘부가 음흉한 남자의 음란한 즐거움을 위해 하녀에 의해 몸을 풀었다는 것은 분명 예술 전시 역사상 가장 의심스러운 일 중 하나일 것입니다. 그렇긴 하지만, Morisot의 작품과 Cézanne의 도발적으로 에로틱한 A Modern Olympia - Manet의 초기의 추악한 캔버스를 재구성한 것(그 자체가 Titian의 그림을 음란하게 재창조한 것임)의 인접성은 진보적인 비전의 매혹적인 마찰을 만들어냅니다.

세잔의 현대 올림피아(1874)는 1865년 국영 살롱에서 스캔들을 일으킨 마네의 1863년 그림에 대한 응답으로 그린 ​​것입니다(제공: Getty Images)

그 영향을 위해 두 작품 모두 삶의 끝없는 베일에 의지하고 화가를 깊은 진실을 대담하게 폭로하는 사람으로 제시합니다. 첫 번째 인상주의 전시회 이후 몇 년 동안 두 예술가의 손은 색상과 빛의 윤곽을 재창조하면서 형식주의를 벗겨내는 형태를 계속해서 실험했습니다. Cézanne의 업적은 그에게 입체파와 그 밖의 많은 영감을 주는 예술적 상속자들의 찬사를 얻었지만 Morisot의 업적은 여전히 ​​가려졌습니다. 최근 몇 년 동안 사려 깊은 회고전이 열리며 모리조의 천재성에 대한 막을 내리려는 공동의 노력이 있었지만, 그녀의 손은 여전히 ​​문화 의식의 가장자리에서 뜯고 있는 손이며 여전히 완전히 붙잡혀지기를 기다리고 있습니다.