문화적 전유를 정의하는 것은 무엇입니까?

그리고 그것에 대한 우려가 왜 중요합니까? 잘 작동하는 문화적 협업과 '평등 교환 정신'이 패션에 필수적인 이유를 탐구합니다. 2019년, 이탈리아의 주요 패션 하우스는 독특한 소용돌이 모양과 별 모양의 대조적인 에스닉 프린트로 넓은 테두리가 있는 면 포플린 소재의 맥시 드레스와 스커트 컬렉션을 출시했습니다. 라오스 북부의 작은 오마족 공동체를 방문했다면 그 디자인이 단순히 부족의 전통 의복의 디지털 프린트라는 것을 알아차렸을 것입니다. 당시 전통 예술 및 민족학 센터의 직원이었던 로렌 엘리스는 그렇게 했습니다. "그들은 패턴을 정확하게 복사했습니다."라고 그녀는 Laotian Times에 말했습니다 . "이 메이저 브랜드가 그렇게 노골적으로 훔친 디자인을 판매할 수 있다는 것이 믿기지 않았습니다." 센터는 Oma와 협력하여 상황을 강조하는 캠페인을 시작했습니다. 공동 감독인 Tara Gujadhur는 "오마의 수제 직물은 믿을 수 없을 정도로 정교하며 엄청난 시간과 기술, 인내를 필요로 합니다."라고 말했습니다. "대량 생산된 의류에 프린트 패턴으로 축소된 것을 보는 것은 마음이 아프다." 센터의 민족 음악학자이자 연구원인 Dr Marie-Pierre Lissoir는 다음과 같이 덧붙였습니다. "커뮤니티와 그들의 전통은 끊임없이 변화하고 있습니다. 그들은 스스로 적응하고 다른 문화에서 영감을 얻습니다." 그러나 이것은 브랜드가 모티브에서 영감을 받아 재해석한 경우가 아니라고 그녀는 말합니다. "그들은 오마 공동체의 존재에 대한 언급도 없이 단순히 수제 조각을 스캔하고 옷에 인쇄했습니다. 이것은 문화적 감상이 아닙니다. 이것은 창의적인 해석이 아닙니다."

라오스 퐁살리(Phongsali) 지방의 아카 오마(Akha Oma)가 정교한 전통 드레스와 머리 장식을 만들고 있다(Credit: Getty Images)

패션계는 이러한 논란에 낯설지 않다. 불과 1년 전, 중국 모델이 젓가락으로 피자를 먹으려는 D&G의 청각 장애인 캠페인은 중국 소셜 미디어 플랫폼인 Weibo에서 분노의 폭발을 일으켰고 디자이너 들의 공개 사과 를 받았습니다. 팬데믹 이전, Black Lives Matter 이전, 패션 하우스 Comme des Garçons는 2020 가을/겨울 남성 패션쇼에서 백인 모델이 콘로우로 보이는 가발을 착용한 후 작업에 착수했습니다. 그리고 물론 주말 동안만이라도 원주민 부족의 신비주의를 모방하려는 시도로 아메리카 원주민 머리 장식을 비롯한 부족 장신구를 위한 음악 축제의 추세가 계속되고 있습니다.

문화적 전유에 대한 우리의 관심이 왜 중요한가? 디자이너와 예술가는 수천 년 동안 서로에게서 영감을 받아왔습니다. 창조적 교류와 공동체의 혈액 공급을 차단하면 더 작은 아이디어 팔레트뿐만 아니라 훨씬 더 좁은 세계관과 그것에 대한 다른 방식이 남게 될 것입니다. 게다가 문화적 전유와 감상의 차이는 희박할 수 있습니다. 결국, 당신이 그것을 좋아하지 않는다면 왜 무언가를 복사합니까?

모든 문화와 역사를 '영감'으로 여기는 까치의 사고방식은 소셜 미디어 확산 이후 가속화되었습니다 – Tamsin Blanchard

그러나 많은 문화 평론가들에게 관계의 본질은 계속해서 문제가 됩니다. Tamsin Blanchard는 윤리적 디자이너의 작업을 보여주는 캠페인 그룹 Fashion Revolution의 이니셔티브인 Fashion Open Studio의 큐레이터입니다. 올해 패션 오픈 스튜디오는 예술과 디자인이 식민주의를 영속시키는 방법을 살펴보는 남미 여성들의 모임인 Not Enough와 함께 아른하임에서 열리는 권위 있는 State of Fashion Biennial의 공동 큐레이터입니다. Blanchard는 "전통적으로 디자이너는 패션 학교에서 미술 전시회, 영화, 자연 세계 또는 세계 공동체의 문화와 유산 등 주변 세계에서 선택하고 혼합하도록 배웠습니다."라고 반영합니다.

"우리는 모두 다른 유산에서 유래했을 수도 있는 정교한 자수, 화려한 직물 또는 드레싱 스타일에 매료됩니다. [그러나] 모든 문화와 역사가 '영감'으로 포착되는 까치 사고방식 '는 소셜 미디어의 확산 이후 가속화되었습니다."라고 그녀는 말합니다. "한 때 패션 학생이 특정 의류 품목의 역사와 전통을 관심과 존경심을 가지고 연구할 수 있었던 곳에서 이제는 문화적 중요성에 대한 관심 없이 이미지 라이브러리에서 이미지를 가져오는 세상이 있습니다. 훔치는 것이 그 어느 때보다 쉬워졌습니다. 모티프나 공예 기법을 활용해 대량 생산되거나 원래 커뮤니티에 대한 크레딧이나 보상 없이 런웨이에 등장하는 의류에 이를 전수합니다."

지식이 중요합니다. 얼마나 많은 백인들이 15세기 아프리카에서 머리카락이 사람의 나이, 종교, 사회적 지위 및 결혼 여부를 구별하는 방법이었다는 것을 알고 있습니다(안녕하세요, Kim Kardashian, Katy Perry). 땋기 작업을 완료하는 데 몇 시간, 심지어 며칠이 걸리며 결속력이 대단했습니다. 또는 노예 무역 중에 머리를 밀고 아프리카 사람들의 머리카락뿐만 아니라 정체성도 찢어 버렸 습니까? 얼마나 많은 축제 참석자들이 아메리카 원주민 머리 장식 이 위대한 정신을 상징하는 독수리 깃털로 만들어졌으며 착용자가 지역 사회를 위해 주목할 만한 일을 한 경우에만 선물된다는 사실을 알고 있습니까? 또 다른 축제에서 가장 인기 있는 축제인 빈디가 제3의 눈의 능력 을 향상시킨다는 사실을 아는 사람은 얼마나 될까요?, 내면의 지혜나 전문가에 접근할 수 있는 능력을 촉진합니다.

영향을 혼합하지만 적절하지 않은 브랜드 Aciela는 전통적인 영국 테일러링과 함께 콜롬비아 유산과 민속을 활용합니다(Credit: Aciela).

그리고 과거와 현재에도 콘로우, 머리 장식, 빈디의 창시자들이 그것을 착용했다는 이유로 박해를 받았을 것이라는 것을 얼마나 많은 사람들이 알았겠습니까? 2018년 BBC Stories 다큐멘터리 ' 문화적 세출: 누구의 문제인가? , 인터뷰 대상자 Ayesha는 다음과 같이 말했습니다: "당신이 당신의 외모가 잘못된 것이라고 말하는 사회의 일원일 때, 그 사회의 누군가가 '글쎄요, 그것이 유행이고 음악이기 때문에 그렇게 할 것입니다. 페스티벌 so who care's는 그런 일들을 겪어야 했던 사람들에 대해 매우 무지하다"고 말했다. 인터뷰 대상자 Karisha는 다음과 같이 덧붙였습니다. "역사상 한 인종 그룹이 다른 인종 그룹에서 가져왔다가 나중에 같은 옷을 입는다면 뺨을 때리는 것과 같습니다."

문화인류학자 Sandra Niessen은 40년 이상 인도네시아 바탁 직물을 연구해 왔습니다. 2020년에 그녀는 Fashion, its Sacrifice Zones and Sustainability 라는 논문을 썼습니다 . "희생지대"라는 개념에서 영감을 받아 Niessen은 흑인 모델이 캣워크 쇼에 포함되었는지 여부를 넘어 원주민의 전통이 동시에 약탈당하는 방식을 탐구하는 식으로 산업의 토대를 깊이 파고 들었습니다. 그리고 지워졌다. Niessen은 보고서에서 "희생 구역은 일반적으로 필요하지 않은 것으로 간주되고 경제적 이익을 위해 착취되는 소수 민족 공동체와 관련된 자원이 풍부한 땅입니다."라고 설명했습니다.

"소비 가능한 물리적 풍경이 아니라 패션 희생 구역은 산업 패션의 확장을 위해 그리고 그에 의해 파괴되는 패션의 '나머지 절반'과 관련된 의복 전통과 그 제작자입니다. 이러한 구역은 원천이기 때문에 산업 확장을 촉진합니다. 값싼 노동력과 스타일 변경에 중요한 토착 디자인(일반적으로 사용됨)." 이 불의 목록은 계속됩니다. "[이 희생 구역]은 토착 복장이 산업적으로 생산된 복장으로 대체될 때 시장 역할도 합니다. 마지막으로, 중고 의류를 포함한 주요 폐기물 처리 장소입니다." 이 논문은 패션의 고의적인 불평등 시스템에 대한 날카로운 비판이며 문화적 불균형을 해결하려는 사람들에게 여전히 중요합니다.

Niessen은 네덜란드에 있는 그녀의 집에서 이메일을 통해 "모든 곳의 모든 사람들은 다른 곳에서 영감을 얻습니다."라고 말합니다. "문제는 디자이너가 맨 위에 있고 토착 의류가 맨 아래에 있는 계층 구조가 약탈당했지만 인정받지 못했다는 것입니다. 시스템은 왜곡되어 있고 디자이너의 독창적인 작업 자체가 아닙니다. 고급 패션을 만들기 위해 원주민을 모집하는 것은 인정합니다." 그들의 기술은 있지만 그들 자신의 의복 시스템에 대한 권리가 아닙니다. 그리고 그들의 의복 시스템을 디자인과 기술로 축소하는 것은 근본적인 해악을 끼치는 것입니다. 그것은 일종의 삭제입니다. 패션 시스템 내에서 일하는 것이 문제이지, 패션의 흥미진진한 과정이 아닙니다. 문화적 접촉."

텍스타일 디자이너 Ellen Rock은 네팔의 장인들과 긴밀한 협력을 통해 아이디어와 기술을 교환합니다(Credit: Ellen Rock)

그녀는 무엇을보고 싶어? 그녀는 "패션 비즈니스는 토착 드레스 메이커의 필요와 욕구를 지원하는 것이지 그 반대가 아닙니다."라고 말합니다. "'그들'을 먼저 배치하는 것은 '그들의' 시스템에 대한 배상, 아마도 부흥일 것입니다. 이제는 패션을 위해 할 수 있는 것이 아니라 패션이 그들을 위해 무엇을 할 수 있는지 물어볼 때입니다. 그들은 자신의 삶을 살 수 있는 기회가 필요합니다. 그들 자신의 문화적 삶이 필요합니다. 그들은 그들의 땅이 활성화되어야 하고, 그들의 시스템이 존중되고, 자결이 필요합니다. 그들은 깨끗한 공기와 깨끗한 물이 필요합니다. 그들의 건강과 삶의 방식에 대한 우리의 빚은 헤아릴 수조차 없습니다."

Niessen의 논문이 미묘한 차이를 나타내는 표현인 다른 문화에 대한 존중과 우려의 문제는 여전히 세계적 유행병과 싸우고 있고 Black Lives Matter에 의해 충격을 받고 있으며 지구 온난화 자체에 의해 인식할 수 없을 정도로 손상을 입은 세계에서 더욱 두드러졌습니다. 소비에 의해 직접 발생합니다. 이러한 맥락에서 많은 사람들은 식민 착취의 역사에서 탄생한 무한 성장의 추출 모델이 모든 것을 잘라낸 것인지 의문을 제기하고 있습니다. 그것이 중요한 모든 면에서 실제로 앞으로 나아가는 최악의 방법 중 하나일 수 있습니다. 새로운 겸손으로 지구를 보호하기 위해 수천 년 동안 시도되고 시험된 토착 관습에 관심이 집중되고 있습니다.

그리고 커뮤니티를 조직하고, 기술을 교환하고, 의복을 만드는 다른 관행이 초산업적이고 헤게모니적인 서구 패션 산업에 대한 대안으로 제시해야 할 수 있는 것들로 눈을 돌리고 있습니다. "Black Lives Matter [운동은] 대규모 재정렬과 재교육, 그리고 식민지 시대의 과거와 제국 건설이 사람들의 착취와 토착 토지 및 자원의 절도에 기반한 방식에 대한 이해로 이어졌습니다."라고 Blanchard는 말합니다. "생활 임금을 받지 못하는 의류 노동자들이 천 파운드의 드레스를 만들거나, 생활 임금을 받지 못하는 지역 사회의 문화 섬유 유산에서 모티브를 가져온 패션 산업 내에서 문화적 불균형과 불평등에 대한 새로운 인식이 있습니다. 허가."

 

공유된 비전

 

점점 더 업계는 스스로에게 묻고 있습니다. 우리를 미래로 데려갈 수 있는 새로운 시스템은 무엇입니까? 그리고 각 당사자가 적절하게 대표되고 인정받을 수 있도록 여러 문화권에서 일하는 방법은 무엇입니까? 패션 임팩트 펀드의 전무 이사인 케리 배니건(Kerry Bannigan)은 "문화적 협력이 존재하려면 공유된 비전이 수립되어야 합니다."라고 말합니다. "프로젝트의 모든 프로세스에 대한 평가와 함께 협업적 집단 리더십이 필요합니다. 디자이너와 브랜드는 컬렉션에 생명을 불어넣는 기술을 평가할 책임이 있으며 전체 가치 사슬과 패션 전반에 걸쳐 지원이 필요하다는 것을 이해해야 합니다. 존중, 포용, 동의,

그룹은 불균형을 해결하기 위해 열심히 노력하고 있습니다. Monica Moisin이 설립한 CIPRI(Cultural Intellectual Property Rights Initiative)는 CIPRI가 설명하는 "3C"인 동의, 신용, 그리고 보상. 한편, 영국 문화원의 Crafting Futures Community Couture 프로젝트는 다양한 문화의 디자이너를 모아서 대여할 수 있는 협업 의류를 제작합니다. 디지털 리소스는 의류의 진화를 포착하여 물리적 특성을 넘어 전체 스토리를 전달합니다. "이와 같은 프로젝트가 기술을 발전시키고 평등 교환의 정신으로 새로운 세대와 관련될 수 있도록 하는 공예 및 커뮤니티의 미래입니다."

슬로우 패션 레이블 Welana는 에티오피아 예술성의 아름다움을 강조하고 이를 창조하는 커뮤니티와 협력합니다(제공: Welana)

불완전한 세상에서 완벽한 예는 없지만 일부 디자이너는 가까워지고 있습니다. "비엔날레에 상주하는 디자이너 중 한 명인 인도네시아 디자이너 Toton Januar는 인도네시아 장인들과 매우 정중한 교류를 하며 그들의 공예품을 현대 패션에 접목시키면서 그들의 작업은 공정한 보상을 받습니다."라고 Blanchard가 제안합니다. "제니퍼 드로게트(Jennifer Droguett)는 그녀의 브랜드인 Anciela를 통해 콜롬비아 전통과 민속을 전통적인 영국 테일러링과 혼합하여 자신만의 의상 언어를 만듭니다." 에티오피아의 공정 무역 회사인 Sabahar와 직물 직공인 Maraki는 함께 전통 직조 기술을 사용하여 슬로우 패션 브랜드 Welana의 원단을 소싱하고 생산합니다. "우리의 전체 개념은 에티오피아 예술의 아름다움에 빛을 비추고 이를 책임지는 커뮤니티에 권한을 부여하는 데 중점을 두고 있습니다."

런던 패션 칼리지(London College of Fashion)의 수상 경력에 빛나는 시리아계 영국인 디자이너이자 코스 리더인 Nabil El Nayal은 Za'atari 난민 캠프에 거주하는 난민들과 함께 새로운 유형의 자수 스티치를 개발하도록 초대받았습니다. 자타리. 엘 나발 은 패션 트러스트 아라비아 와의 인터뷰 에서 "워크숍과 프레젠테이션을 포함한 모든 계획은 여성들을 만나자마자 창밖으로 나왔다" 고 말했다.. "보이지 않는 것을 잘 파악하고, 들리지 않는 것에 귀를 기울이고, 문제가 발생했을 때 문제의 해결책을 찾는 데 능숙해야 합니다. 우리와 함께 일한 여성들은 가장 놀랍고 다양한 능력을 가지고 있었습니다. 그들 모두에게서 배우기 위해." 이 프로젝트는 이미 측량할 수 없는 도전에 직면해 있는 여성들을 위한 자급자족 기업의 발전을 지원하는 것을 목표로 합니다.

패션에 대한 나의 접근 방식은 과거와 현재, 멀고 가까운 문화의 충돌에 관한 것입니다 - Nabil El Nayal

2018년 Crafting Futures로부터 Artists International Development Fund를 받은 후 아티스트이자 텍스타일 디자이너인 Ellen Rock은 히말라야 산기슭의 네팔 미틸라에 있는 Janakour 여성 개발 센터(JWDC)와 함께 작업하도록 초대되었습니다. 처음부터 그녀의 접근 방식은 신중하고 고려되었습니다. 먼저 레지던트 예술가로 두 달 동안 자신을 관찰하고 예술에 몰입하여 신뢰의 플랫폼과 협업의 기반을 만들었습니다. 그녀는 "센터에 내 실습에서 무엇을 배우고 싶어하는지, 무엇을 놓치고 있다고 느끼며 나와 공유하고 싶은지 물었습니다."라고 말합니다. "이로부터 우리는 기술과 지식을 교환할 수 있는 워크샵 계획을 개발하여 점차 섬유 개발로 이어졌습니다."

스크린 프린터는 Rock의 원래 디자인을 인쇄했고, 자수와 손 화가는 위에 세부 사항을 추가했습니다. "내 작업은 소통으로서의 그래픽 심볼에 초점을 맞추는 반면 Mithila 예술은 다산, 종교, 사랑과 같은 문화적 정체성에 뿌리를 두고 있으며, 최근에는 자전거로 출근하기, 휴대전화를 소유하고 예술가로 활동하는 것과 같은 일상 활동에 뿌리를 두고 있습니다."라고 말합니다. 바위. Eye See You라는 제목의 프린트 중 하나는 Rock의 시그니처 일러스트레이션과 함께 하루 주기를 결합한 일러스트레이션으로, Rock 자신의 작업에서 핵심 모티브인 Mithila 손을 통합하여 문신으로 장식하고 프린트에 대한 자수 해석을 특징으로 합니다. 장인 중 한 명인 Madhumala Mandal은 "Ellen은 우리의 디자인을 의복과 직물에 적용하는 방법을 알려 주었습니다. 그녀는 또한 우리가 많은 새로운 디자인을 만드는 데 도움을 주었습니다."라고 말합니다.

Rock과 장인들은 교환할 수 있는 가장 유익한 기술, 그리고 수명이 긴 기술에 대해 생각하는 데 시간을 보냈습니다. "센터는 디자인을 적용할 뿐만 아니라 수입을 창출할 수 있는 제품을 개발하기를 원했습니다."라고 Rock은 말합니다. "우리는 협업 디자인뿐만 아니라 오리지널 Mithila 패턴으로 재현할 수 있는 자수 패치나 가방과 같은 제품에 집중하기로 결정했습니다." 아이디어는 Rock이 떠난 후에도 오래 지속될 지식 이전을 만드는 것이었습니다.

대담한 그래픽 프린트를 만드는 Ellen Rock은 Madhumala Mandal 및 네팔 Mithila의 다른 여성 핸드 페인팅과 협력했습니다(Credit: Ellen Rock).

Rock은 다음과 같이 덧붙입니다. "전유에는 일반적으로 기원과 유산을 제거하고 최종 회사에만 이익이 되는 방식으로 용도를 변경하는 것이 포함됩니다. 대화가 없으면 고대의 지혜와 유산을 근절하는 동시에 수입원과 생계를 박탈할 수 있습니다. 협력이 필요합니다. 몇 주 또는 몇 달에 걸쳐 구축된 진정한 연결. 그러나 디자이너가 장인 그룹을 직접 참여시키고 협의하는 측정 가능한 영향을 설정한다면 협업은 증폭 및 보존의 강력한 도구가 될 수 있다고 믿습니다. 궁극적으로 협업의 핵심은 결과가 더 강력하다는 양 당사자의 핵심 믿음입니다."

El Nayal과 Rock 모두에게 문화적 협력은 단순한 영감이 아니라 형평성과 글로벌 재균형의 풍부한 원천으로 남아 있습니다. "패션에 대한 나의 접근 방식은 과거와 현재, 멀고 가까운 문화의 충돌에 관한 것입니다. 우리는 점점 더 양극화되는 시대에 살고 있으며 내 작업은 패션이라는 매체를 통해 연결을 모색하면서 그것에 대해 말할 수 있습니다. 고도로 현대적인 결과를 추구하고, 전통적인 시리아 복장과 직물 역사를 보존하면서"라고 El Nayal은 말합니다. "그러나 지역 사회와 협력하는 것은 상호 이익이 되어야 합니다. 저는 우리의 결합된 유산과 문화적 정체성을 보호하기를 열망합니다. 우리의 풍부한 섬유 문화는 수세기 전으로 거슬러 올라가며, 앞으로 더 많은 시간 동안 계속 이어지도록 하는 것이 중요합니다."