피에트 몬드리안과 걸작을 만든 여섯 개의 선

6개의 선과 5개의 색상이 걸작을 만드는 데 필요한 전부였습니다. 1922년이 되자 모더니스트의 임무는 완성된 것처럼 보였다. Piet Mondrian의 파란색, 노란색, 빨간색, 검은색 및 회색 구성 에서는 기본 색상만 우선합니다. 전년도에 머물렀던 오렌지와 콘플라워 블루는 그리드에서 추방되었고 사색적인 그레이-화이트가 중앙 무대를 차지했습니다. 서양 미술이 그렇게 단순하거나 접근하기 쉬워보였던 적이 없었습니다. 같은 해, 네덜란드 화가는 암스테르담의 슈테델릭 박물관에서 자신의 작품을 회고하면서 50세 생일을 축하하기 위해 파리 작업실을 떠났습니다. 100년이 지난 오늘날, 파란색, 노란색, 빨간색, 검은색 및 회색으로 구성된 Mondrian의 56 x 63cm 구성은 박물관 지하에 영구 전시되어 있으며 특유의 "PM" 모노그램과 "22"는 여전히 긁힌 빨간색 페인트로 볼 수 있습니다.

파란색, 노란색, 빨간색, 검은색 및 회색으로 구성된 구성(1922)은 예술적 전통을 깨고 예술에 대한 완전히 새로운 접근 방식을 구축했습니다(제공: Stedelijk Museum Amsterdam).

Stedelijk 박물관의 학술 연구원인 Maurice Rummens는 이 그림을 박물관 컬렉션의 "선봉장 중 하나"라고 설명합니다. 이는 몬드리안 스타일과 회화의 변화를 예고했습니다. 세기의 전환기에 작가의 풍경에서 보여지고 그의 입체파 시대까지 이어지는 실제 물체의 표현과 원근법의 사용은 더 이상 그에게 충분히 현대적이지 않았습니다. 대신에 그는 더 야심차고 무형인 우주의 기본적이고 보편적인 특성을 전달하기 위해 순수한 추상화로 눈을 돌렸습니다. 몬드리안은 나중에 1937년 에세이에서 "수직선과 수평선은 반대되는 두 힘의 표현입니다. "그들은 어디에나 존재하고 만물을 지배하며, 그들의 상호작용이 '생명'을 이룬다."

몬드리안은 이미지의 본질에 집중하는 선구자였습니다. 그는 이 작업을 실제로 수행한 최초의 사람 중 한 명이었습니다.

몬드리안은 자연의 고유한 연결성을 최대한 정제되고 직접적인 방식으로 전달하기 위해 원색과 대담한 기하학적 패턴의 조합을 의도했습니다. 1915년 동료 네덜란드 예술가 테오 반 두스부르크에게 보낸 편지에서 그는 다음과 같이 썼습니다. 내면의 의미를 최대한 가볍게 가려야 한다."

현재 재단 Beyeler에서 전시 중인 몬드리안 에볼루션( Mondrian Evolution )의 큐레이터 울프 쿠스터(Ulf Küster)는 "몬드리안은 매우 급진적이었고 이미지의 본질에 집중했다는 점에서 선구자였습니다."라고 말했습니다 . 그의 탄생 150주년을 기념하는 스위스.

"미니멀리즘은 몬드리안 없이는 생각할 수 없습니다."라고 그는 BBC Culture에 말했습니다. "그는 이것을 실제로 한 최초의 사람 중 한 명입니다. 완전히 재현되지 않은 작품입니다... 현대를 모든 전통을 깨고 모든 것을 새로 정의하는 것으로 본다면 20년대 몬드리안의 그림은 매우, 매우 현대적입니다."

Tree(1912)와 같은 몬드리안의 초기 작품은 더 비유적이지만 후기 미니멀리즘 그림의 힌트를 담고 있습니다(제공: Mondrian/Holtzman Trust/ bpk/Staatsgalerie).

그럼에도 불구하고 다가올 혁명적 작업의 힌트는 몬드리안의 초기 작품에서 드러납니다. 예를 들어 격자, 굵은 선, 직각 구성에 대한 작가의 관심은 나무 줄기가 수평선 을 가르는 풍경(1902/3)이나 1905년 울타리가 있는 초원 에 대한 수많은 연구  에서 볼 수 있습니다.

1922년까지 몬드리안은 신생물주의의 원칙을 채택했는데, De Stijl이라고도 알려진 예술 운동에는 몬드리안, 반 두스부르크, 게리트 리트벨트, 바트 반 데어렉이 포함되어 있으며 완벽하게 표현되는 순수하고 환원적인 구성을 옹호했습니다. 균형이 잡힌. 몬드리안은 Van der Leck의 배경과 전경 사용을 승인하지 않았고 Van Dosburg와 Van der Leck의 대각선 사용에 반대했습니다.

 

그리드에서

 

직각은 똑바로 세워야 한다고 그는 주장했습니다. 그리고 색상은 이제 기본이 되어야 했고 가장 자주 극한까지 밀어내어 흰색에 우선권을 주었습니다. 1922년에 채색된 평면은 어긋난 떠 있는 격자 안에 긴장 상태로 존재하여 눈과 그림을 계속 움직이게 하고 만족스럽고 불안한 구성을 만듭니다.

그리드에 대한 Mondrian의 약속은 완료되었습니다.  화가는 대각선 사용에 반대했습니다 (Credit: Kunstmuseum Den Haag)

완성된 작품의 단순함은 느리고 힘들게 만들어낸 작품과 다릅니다. 몬드리안의 작업일 중 대부분은 기다리며 보고, 캔버스를 응시하거나 그의 스튜디오에서 서성거리며 보냈습니다. 1919년 그는 반 두스부르크에게 편지를 썼습니다. "나는 리듬과 변하지 않는 비율의 적절한 조화를 찾고 있습니다. 그것이 얼마나 어려운지 모릅니다."

그러나 몬드리안에게 균형은 완벽함을 의미하지 않았습니다. 작품 뒤에 숨은 화가의 감각도 중요했다. 파란색, 노란색, 빨간색, 검은색 및 회색의 구성에서 불완전하게 칠해진 격자(Mondrian은 눈금자를 사용하지 않았다고 함) 너머로 색이 번져 희끄무레한 캔버스를 침범하겠다고 위협합니다. 우리는 걸작을 만드는 데 있어 화가의 역할과 그가 그의 작업에서 중심으로 보았던 두 가지 상반된 요소, 즉 "개인"과 "보편"의 상호 작용을 상기시킵니다.

몬드리안의 정통과 그의 예술에 대한 측정된 접근에도 불구하고, 보헤미안 사회를 26 Rue du Départ에 있는 그의 연기가 자욱한 파리 스튜디오로 끌어들인 것은 바로 이 인간적이고 "개인적인" 측면 이었습니다 .

그의 작곡은 엄격하게 보일 수 있지만 Mondrian은 보헤미안 생활 방식을 살았습니다 (Credit: Alamy)

세계 최대의 몬드리안 작품 컬렉션이 있는 덴하그 미술관의 큐레이터인 카로 버벡은 "그가 고립된 것은 전혀 사실이 아니었다"고 말했다. "그는 매우 카리스마 있는 사람이었습니다. 유머 감각이 있었고 사람들과 어울리는 것을 즐겼습니다. 그는 여자를 사랑했고 여자는 그를 사랑했습니다."

몬드리안의 친구 서클에는 댄서, 가수, 배우 조세핀 베이커가 포함되어 있었는데, 그는 그를 동류의 정신으로 여겼습니다. 그는 사랑하는 재즈 소리로 스튜디오를 가득 채웠고, 영화관에 가고, 댄스 레슨을 받고, 콘서트에 참석하면서 파리의 문화적이고 지적인 삶에 몰두했습니다.

특히 음악에 대한 이러한 사랑은 현재 Kunstmuseum Den Haag의 전시회 Mondrian Moves 에서 탐색 중인 Mondrian의 그림에 종종 간과되는 차원을 가져왔습니다 . 박물관 앱은 음악과 그림을 짝지어 색상의 위치가 어떻게 몬드리안이 잘 알고 있는 비트와 댄스 스텝을 복제하는지 보여줍니다. 검정색, 흰색 및 회색 영역은 음조가 없거나 노이즈가 없음을 나타냅니다.

Verbeek은 BBC Culture와의 인터뷰에서 "몬드리안은 신생물주의를 듣고 춤을 추고 시각화할 수 있었습니다. "그의 모든 신생물 그림은 매우 음악적이었습니다." Verbeek은 춤과 박수를 치는 리듬을 사용하여 시각 장애인을 포함한 모든 사람이 Mondrian의 작품에 더 가까이 다가갈 수 있도록 하는 투어인 Piet의 비트에 맞춰 박수를 통해 경험을 한 단계 더 발전시키기를 희망합니다.

이것이 몬드리안을 바라보는 방식입니다. 스캔하는 그림이 아니라 방향, 움직임, 리듬, 속도의 변화로 – Caro Verbeek

1922년에 몬드리안이 예술과 음악의 연결을 보다 명확하게 만들었습니다. 의심할 여지 없이 작년에 미래파 Luigi Russolo가 본 실험적인 "노이즈 콘서트"의 영향을 받은 몬드리안은 "음향 색상"이라고 불리는 추상적이고 전기적인 색상 투영이 음악과 결합되는 콘서트 공간인 "promenoir"를 제안했습니다. 몰입형 경험을 제공합니다.

1944년 미완성으로 남겨진 몬드리안의 마지막 미완성 작품 Victory Boogie Woogie는 음악과 그의 그림 사이의 연결을 상징합니다(제공: ICN, 암스테르담)

Verbeek은 예술과의 이 다감각적 참여는 음악성을 높이 평가하면 몬드리안의 1922년 작곡, 파란색, 노란색, 빨간색, 검은색 및 회색에도 초대된다고 설명합니다. "내가 이 구도를 좋아하는 이유는 그가 수직 및 수평 감각을 어떻게 바꾸는지 입니다. 눈을 움직이는 것 뿐만 아니라 같은 평면에서 마음가짐 전체가 변한다는 것입니다."라고 그녀는 말합니다. "그렇게 몬드리안을 바라보아야 합니다. 스캔하는 사진이 아니라 방향, 움직임, 리듬, 속도의 변화로 봐야 합니다."

그녀는 몬드리안을 생각하는 것이 본능적인 경험이라고 설명합니다. "Stijl의 구성원은 신체적인 감각, 즉 매우 물리적인 유형의 미학을 불러일으키기를 원합니다." 몇 년 후, 몬드리안은 더 나아가 자신의 작품에 특정한 춤을 추었습니다. 예를 들어, 1920년대 후반에 Foxtrot 시리즈 가 있었고 그의 마지막 그림인 Victory Boogie Woogie (1942-4)는 그가 좋아했던 싱코페이트된 리듬에 대한 축하였습니다.

브러시 스트로크조차도 움직임을 지속시킨다고 Verbeek은 설명합니다. 예를 들어 얇고 수직인 노란색 평면은 반직관적으로 공들인 수평 획으로 칠해져 특징적인 이중성과 대립을 생성하는 동시에 보편성 안에서 개인, 예술가의 꾸준한 손을 상기시킵니다.

가장 피상적인 수준에서도 높이 평가되는 몬드리안의 매력적이고 즉시 알아볼 수 있는 그리드는 지속적인 인상을 남겼으며, 예술 세계를 대담하고 민주화하고 그래픽 및 기하학적 위상을 높였습니다.

우리는 리히텐슈타인 의 팝 아트 에서 몬드리안의 색상 팔레트와 날카로운 각도의 영향을 , 그리고 게르하르트 리히터 의 페인트 모자이크에서 그의 바둑판 의 메아리를 봅니다. 슬로바키아 에서 미국 으로 건너온 건축가들은 여전히 ​​De Stijl의 원칙을 실험하고 있으며 Yves Saint Laurent , Hermès , Moschino , 심지어 Nike 와 같은 패션 브랜드 는 모두 몬드리안의 그리드에 생명을 불어넣었습니다.

100년 전 몬드리안이 친구들과 함께 잔을 들어 올린 Stedelijk 박물관에서 1922년 걸작은 순진하게 걸려 있습니다. 중앙의 흰색 사각형은 지나가는 방문객들을 멍하니 바라보고 있으며, 그들의 시선은 그 안과 주변의 끊임없는 여행을 안내합니다. 작품은 패턴인가, 회화인가, 디자인인가, 춤인가?

아는 사람들에게는 그 안에 음악이 있지만 대부분은 호기심 어린 시선으로 바라보기만 합니다. 색상은 프레임을 벗어나는 것처럼 보이고 미완성 그리드 라인은 애타게 계속됩니다. Beyeler의 Ulf Küster는 "그는 이미지를 최대한 개방적으로 유지하기를 원했을 뿐이라고 생각합니다."라고 말합니다. "모든 훌륭한 예술가는 답을 주기보다 질문을 더 많이 한다."